{"title":"Quadri da collezionare","description":"","products":[{"product_id":"attese","title":"\"Espera\"","description":"\u003cp\u003e El lienzo se visualiza como un portal temporal donde se insinúan la tridimensionalidad del espacio dada por el yeso y el brillo dado por la aplicación de resina epoxi que cubre parcialmente el lienzo.\u003cbr\u003e\n Inspirado en “Attese” de Lucio Fontana, los cortes en el lienzo se reinterpretan con la aplicación de tiza, pero el significado permanece inalterado.\u003c\/p\u003e","brand":"Claudia Gota","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56203707253122,"sku":"112621","price":810.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/20241217_200004_1.jpg?v=1768319994"},{"product_id":"alberto-burri-casa-campagna","title":"Alberto Burri - Casa de campo","description":"","brand":"Zoppi Ramona","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56210533548418,"sku":"RZOP001","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/djn.jpg?v=1768390873"},{"product_id":"mario-schifano-crocera-verso-linfinito","title":"Mario Schifano - Crucero al Infinito","description":"","brand":"Valverde Estrada Xavier Jacinto abbassata a 800\/1000","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56210675630466,"sku":"XVAL001","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/FullSizeRender-2-1.jpg?v=1768392116"},{"product_id":"mario-schifano-emulsionata","title":"Mario Schifano - Emulsionado","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.marioschifano.it\/\"\u003eMario Schifano\u003c\/a\u003e nació en Homs, Libia, el 20 de septiembre de 1934. Comenzó su carrera en el movimiento informal, produciendo lienzos con una superficie muy texturizada. Obras de este tipo inauguraron su primera exposición individual en 1959 en la Galería Appia Antica de Roma. Sin embargo, fue durante la exposición de 1960 en la Galería La Salita, donde presentó a Angeli, Festa, Lo Savio y Uncini, que la crítica comenzó a interesarse por su obra. Tras abandonar el informalismo, pintó ahora pinturas monocromas: grandes hojas de papel pegadas al lienzo y cubiertas con un único color táctil, superficial y goteante. La pintura se convirtió en una \"pantalla\", un punto de partida, un espacio para un acontecimiento negado en el que, unos años más tarde, surgirían números, letras y fragmentos simbólicos de la civilización consumista, como los logotipos de Esso y Coca-Cola.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eEn 1962, Schifano viajó a Estados Unidos; se familiarizó con el arte pop, quedó impresionado por la obra de Dine y Kline, y expuso en la galería Sidney Janis de Nueva York en la muestra \"The New Realist\". En 1964, fue invitado por primera vez a la Bienal de Venecia. El artista trabajó entonces en ciclos temáticos: paisajes anémicos y la revisión de la historia del arte con obras dedicadas al futurismo. Se sintió atraído por imágenes tomadas de los medios de comunicación y, por lo tanto, parte del patrimonio colectivo. Esta fase de la obra de Schifano fue abordada tanto por críticos atentos, como Maurizio Calvesi, Maurizio Fagiolo y Alberto Boatto, como por ilustres escritores, como Alberto Moravia y Goffredo Parise. En el Studio Marconi, en 1967, presentó el largometraje Anna Carini, vista en agosto por las mariposas, al que le siguió la trilogía cinematográfica Satélite, Humano no humano y Trasplante, consumo y muerte, de Franco Brocani. Sus primeras experiencias cinematográficas, que desarrolló paralelamente a su pintura, datan de 1964, y en ellas se revela de inmediato la atención crítica del artista al flujo ininterrumpido de imágenes que produce nuestra civilización tecnológica, en la que la realidad es constantemente reemplazada por su \"doble\", ya sea fotografía, televisión o cine. Expuso en las ediciones de 1982 y 1984 de la Bienal de Venecia. \u003c\/p\u003e\r\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eUn enfoque en lo natural caracteriza toda la obra actual de Schifano: paisajes, nenúfares, campos de trigo, el movimiento del mar y extensiones de arena se recrean, reinventan y filtran a través de recuerdos, impulsos, sensaciones, afloramientos de lo profundo y secuencias de imágenes transmitidas por televisores, publicidad y revistas, tomando así la forma de geografías de la memoria. En 1990, el Palazzo delle Esposizioni de Roma, con motivo de su reapertura, le dedicó una exposición titulada \"Divulgare\", con obras de gran formato creadas para la ocasión. En 1996, Schifano rindió homenaje a su musa auxiliar, la televisión, entendida como un flujo continuo de imágenes capaz de estructurarse como la verdadera y única realidad integral de nuestra era. Mientras que a finales de los años 60 se limitaba a extraer fotogramas individuales de programas de televisión y proyectarlos descontextualizados sobre el lienzo, ahora, sin embargo, interviene pictóricamente sobre las imágenes, modificando aún más su significado.\u003c\/p\u003e","brand":"Rotondi Corrado 35000 abbassata 12000€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56210683527554,"sku":"CROT005","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/Schifano.jpg?v=1768392165"},{"product_id":"mimmo-rotella-calze-rete","title":"Mimmo Rotella - Medias de rejilla","description":"","brand":"Scarpellini Enrico","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56211262570882,"sku":"ESCA001","price":3360.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/Calze-a-rete-33x23-2004-9-50.jpg?v=1768398461"},{"product_id":"mimmo-rotella-amore-alto-mare","title":"Mimmo Rotella - Amor en alta mar","description":"\u003cp\u003eLa obra utiliza la técnica del décollage, empleada por diversos artistas desde la década de 1950, que consiste en superponer carteles o folletos, que luego se desgarran gradualmente. Esta técnica está indudablemente vinculada a la poética del objeto, el uso de materiales desechados de la sociedad de consumo, el interés del Pop Art por los medios de comunicación y un gesto artístico: el artista desgarra los carteles.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra forma parte de la famosa serie de decollage de Mimmo Rotella. El objeto, en este caso carteles superpuestos, es reconfigurado por el artista mediante el acto de rasgar. Esta práctica simplemente introduce la naturaleza accidental de la realidad de forma directa y repentina en la obra, dándole un nuevo significado. Los desgarros, que imitan los estragos del tiempo en los carteles o los efectos del clima, trasladan la obra de una dimensión abstracta a la dimensión concreta de la existencia.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918-Milán, 2006) fue un artista profundamente comprometido con la experimentación con nuevos lenguajes artísticos en la segunda mitad del siglo XX. Tras algunos experimentos con la poesía fonética, creó sus primeros décollages en 1954. En París, participó en el movimiento del Nouveau Réalisme, y su interés por la poética de los procesos mecánicos también se plasmó a través de la creación del Mec-art, o procesos de transcripción serial de imágenes.\u003c\/p\u003e","brand":"Ferrara Mario 21000","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56211536150914,"sku":"MFER003","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG_3270-copia.jpg?v=1768400333"},{"product_id":"mario-schifano-case","title":"Mario Schifano - Casas","description":"","brand":"Mazzarra Guido abbassata da 2200 a 1500€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56211681018242,"sku":"GMAZ002","price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/20180131_102106_001.jpg?v=1768401435"},{"product_id":"mimmo-rotella-a-qualcuno-piace-caldo-2","title":"Mimmo Rotella - A algunos les gusta lo caliente","description":"","brand":"Cellai Alessandro","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212023050626,"sku":"ACEL002","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG_9888-copia.jpg?v=1768402998"},{"product_id":"mimmo-rotella-cera-una-volta-2","title":"Mimmo Rotella - Érase una vez","description":"","brand":"Cellai Alessandro","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212023116162,"sku":null,"price":6000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG_9881-copia.jpg?v=1768403001"},{"product_id":"mimmo-rotella-chanel-n-5","title":"Mimmo Rotella - Chanel n.° 5","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra fue concebida mediante la técnica del décollage, empleada por diversos artistas desde la década de 1950, que consiste en superponer carteles o folletos, que luego se desgarran gradualmente. Esta técnica está, sin duda, vinculada principalmente a la poética del objeto, ya que implica el uso de materiales desechados de la sociedad de consumo, pero también al interés del Pop Art por los medios de comunicación, así como a un gesto artístico, ya que el artista desgarra los carteles.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra forma parte de la famosa serie de decollage de Mimmo Rotella. El objeto, compuesto por carteles superpuestos, es reconfigurado por el artista mediante el acto de rasgar. Esta práctica introduce de forma directa y repentina la naturaleza accidental de la realidad en la obra, dándole un nuevo significado. Los desgarros, que imitan los estragos del tiempo o el clima en los carteles, trasladan la obra de una dimensión abstracta a la dimensión concreta de la existencia.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003e Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918-Milán, 2006) fue un artista profundamente comprometido con la experimentación con nuevos lenguajes artísticos en la segunda mitad del siglo XX. Tras algunos experimentos con la poesía fonética, creó sus primeros décollages en 1954. En París, participó en el movimiento del Nouveau Réalisme, y su interés por la poética de los procesos mecánicos también se plasmó a través de la creación del Mec-art, o procesos de transcripción serial de imágenes.\u003c\/p\u003e","brand":"Frigo Maria","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212684308866,"sku":"MFRI003","price":3500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/marilyn-chanel-5.jpg?v=1768406458"},{"product_id":"mario-schifano-esso","title":"Mario Schifano - Eso","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra se inspira en la estética pop mediante el uso de elementos simbólicos y su repetición serial. El arte pop nació en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como un interés\/crítica de los artistas de la sociedad de consumo contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción serial mediante procesos mecánicos. Por otro lado, son las imágenes publicitarias y los propios bienes de consumo los que se convierten en obras de arte, como la expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eEsta obra es emblemática del arte pop de Mario Schifano, pero también muestra conexiones con la poética del objeto, puesta de relieve por los movimientos New Dadá y Nouveau Réalisme. De hecho, el proceso implica la representación de una imagen\/objeto cotidiano, producido en masa. La imagen, en este caso el letrero de una compañía petrolera, se reproduce de forma mecánica y estereotipada, pero está teñida por el pictorialismo de Schifano, utilizando una técnica que toma en cuenta los gestos del expresionismo abstracto. El color interfiere con el objeto, creando una tensión emocional, acentuada por el uso del goteo, que hace que la pintura fluya hacia afuera sobre la imagen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eMario Schifano fue un artista romano nacido en 1934 en Homs, Libia. Fue el máximo exponente de la Escuela de la Piazza del Popolo. Este grupo de pintores se reunió en el Caffè Rosati y compartieron un lenguaje artístico inspirado en el arte pop, pero con una nueva sensibilidad también influenciada por los experimentos del expresionismo abstracto estadounidense. El uso de símbolos de la sociedad de consumo, repetidos en serie, es claramente pop, pero su interpretación pictórica, ya sea sucia o texturizada, o mediante técnicas gestuales como el dripping, ofrece una nueva visión y una reconfiguración diferente. Mario Schifano falleció en Roma en 1998.\u003c\/p\u003e","brand":"Savegnago Piergiorgio 500€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212950155650,"sku":"PSAV013","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/schifano-1-2.jpg?v=1768407815"},{"product_id":"mario-schifano-coca-cola-2","title":"Mario Schifano - Coca-Cola","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra se inspira en la estética pop mediante el uso de elementos simbólicos y su repetición serial. El arte pop nació en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como un interés\/crítica de los artistas de la sociedad de consumo contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción serial mediante procesos mecánicos. Por otro lado, son las imágenes publicitarias y los propios bienes de consumo los que se convierten en obras de arte, como la expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eEsta obra es emblemática del arte pop de Mario Schifano, pero también muestra conexiones con la poética del objeto, puesta de relieve por los movimientos New Dadá y Nouveau Réalisme. De hecho, el proceso implica la representación de una imagen\/objeto cotidiano, producido en masa. La imagen, en este caso la etiqueta de un famoso refresco, se reproduce de forma mecánica y estereotipada, pero está teñida por el pictorialismo de Schifano, utilizando una técnica que toma en cuenta los gestos del expresionismo abstracto. El color interfiere con el objeto, creando una tensión emocional, acentuada por el uso del goteo, que hace que la pintura fluya hacia afuera sobre la imagen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eMario Schifano fue un artista romano nacido en 1934 en Homs, Libia. Fue el máximo exponente de la Escuela de la Piazza del Popolo. Este grupo de pintores se reunió en el Caffè Rosati y compartieron un lenguaje artístico inspirado en el arte pop, pero con una nueva sensibilidad también influenciada por los experimentos del expresionismo abstracto estadounidense. El uso de símbolos de la sociedad de consumo, repetidos en serie, es claramente pop, pero su interpretación pictórica, ya sea sucia o texturizada, o mediante técnicas gestuales como el dripping, ofrece una nueva visión y una reconfiguración diferente. Mario Schifano falleció en Roma en 1998.\u003c\/p\u003e","brand":"Savegnago Piergiorgio 500€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212950188418,"sku":"PSAV014","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/schifano-3-2.jpg?v=1768407816"},{"product_id":"mario-schifano-acquario","title":"Mario Schifano - Acuario","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración pictórica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eEn esta serie de obras, podemos apreciar el enfoque diferente de Mario Schifano hacia imágenes masivas y populares (en este caso, cuatro peces en un acuario). El concepto subyacente es siempre el mismo: reconfigurar una imagen familiar, incluso banal, mediante un proceso pictórico. Este proceso pictórico, como siempre en Schifano, implica técnicas gestuales similares al expresionismo abstracto estadounidense. La diferencia en esta serie radica en que el artista, con sus gestos, afecta únicamente al fondo, recreando la imagen pop en negativo. Compositivamente, podemos apreciar cómo la imagen y los gestos del artista interactúan, fusionándose gracias a los efectos del goteo de la pintura.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eMario Schifano fue un artista romano nacido en 1934 en Homs, Libia. Fue el máximo exponente de la Escuela de la Piazza del Popolo. Este grupo de pintores se reunió en el Caffè Rosati y compartieron un lenguaje artístico inspirado en el arte pop, pero con una nueva sensibilidad también influenciada por los experimentos del expresionismo abstracto estadounidense. El uso de símbolos de la sociedad de consumo, repetidos en serie, es claramente pop, pero su interpretación pictórica, ya sea sucia o texturizada, o mediante técnicas gestuales como el dripping, ofrece una nueva visión y una reconfiguración diferente. Mario Schifano falleció en Roma en 1998.\u003c\/p\u003e","brand":"Savegnago Piergiorgio 500€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56212950253954,"sku":"PSAV017","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/schifano-2-2.jpg?v=1768407819"},{"product_id":"andy-warhol-marilyn","title":"Andy Warhol - Marilyn","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración mecánica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eLa obra es emblemática de la investigación de Andy Warhol, fundador y máximo exponente del Pop Art. La imagen icónica de la diva, símbolo por excelencia de la cultura mediática, se convierte en una obra de arte en sí misma. La intervención del pintor simplemente recontextualiza la imagen, siempre en el contexto de una reflexión sobre los nuevos lenguajes de la serialidad. La reproducción mecánica se convierte así en el principal medio de creación y difusión de la obra de arte, que a su vez se convierte en objeto de consumo. Formalmente, el color se satura de acuerdo con las nuevas exigencias de la imagen publicitaria.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eAndy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), fue un pintor, escultor, guionista, productor, director, director de fotografía, editor y actor estadounidense. Fue una de las figuras más importantes del movimiento Pop Art. Su producción artística abarcó una multitud de obras, que reprodujo en serie. Las actividades y experimentos de su Factory marcaron una época y lo convirtieron en una de las figuras más influyentes de la cultura del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"Belcaro Alessandro 2950","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56213558362498,"sku":"ABEL001","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG_20190529_143321.jpg?v=1768409963"},{"product_id":"mario-schifano-europa","title":"Mario Schifano - Europa","description":"","brand":"Berti Giovanni 3500€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56215613866370,"sku":"GBER006","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG-20200121-WA0012.jpg?v=1768427847"},{"product_id":"andy-warhol-marylin","title":"Andy Warhol - Marilyn","description":"\u003cp\u003eLa obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración mecánica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra es emblemática de la investigación de Andy Warhol, fundador y máximo exponente del Pop Art. La imagen icónica de la diva, símbolo por excelencia de la cultura mediática, se convierte en una obra de arte en sí misma. La intervención del pintor simplemente recontextualiza la imagen, siempre en el contexto de una reflexión sobre los nuevos lenguajes de la serialidad. La reproducción mecánica se convierte así en el principal medio de creación y difusión de la obra de arte, que a su vez se convierte en objeto de consumo. Formalmente, el color se satura de acuerdo con las nuevas exigencias de la imagen publicitaria.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eAndy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), fue un pintor, escultor, guionista, productor, director, director de fotografía, editor y actor estadounidense. Warhol fue una de las figuras más importantes del movimiento Pop Art. Su producción artística abarcó una multitud de obras, que reprodujo en serie. Las actividades y experimentos de su Factory marcaron una época y lo convirtieron en una de las figuras más influyentes de la cultura del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"Zattoni Paolo abbassata da 12000 a 6500\/7000€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56217834815874,"sku":"PZAT00","price":1200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/2-copia_6b79f67b-532c-4055-8102-e5135fe68594.jpg?v=1768468684"},{"product_id":"andy-warhol-marilyn-monroe","title":"Andy Warhol - Marilyn Monroe","description":"\u003cp\u003e La obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración mecánica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra es emblemática de la investigación de Andy Warhol, fundador y máximo exponente del Pop Art. La imagen icónica de la diva, símbolo por excelencia de la cultura mediática, se convierte en una obra de arte en sí misma. La intervención del pintor simplemente recontextualiza la imagen, siempre en el contexto de una reflexión sobre los nuevos lenguajes de la serialidad. La reproducción mecánica se convierte así en el principal medio de creación y difusión de la obra de arte, que a su vez se convierte en objeto de consumo. Formalmente, el color se satura de acuerdo con las nuevas exigencias de la imagen publicitaria.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa serigrafía se inspiró en la famosa obra de Andy Warhol, que inmortalizó el rostro de la diva en diversas versiones. En 1970, el artista permitió a dos amigos belgas producir una serie de serigrafías con el rostro de Marilyn, basadas en la serigrafía original, que se distinguían por algunas variaciones de color y la leyenda \"publicado por Sunday B. Morning\". Andy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), fue un pintor, escultor, guionista, productor, director, cinematógrafo, editor y actor estadounidense. Warhol fue una de las figuras más importantes del movimiento Pop Art. Su producción artística incluyó una multitud de obras, que reprodujo en serie. Las actividades y experimentos de su Factory marcaron una época y lo convirtieron en una de las figuras más influyentes de la cultura del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"Boscolo Lino","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56217928434050,"sku":"LBOS001","price":1280.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDY-WARHOL-OPERA-FRONTE.jpg?v=1768469624"},{"product_id":"mario-schifano-acerbo","title":"Mario Schifano - Acerbo","description":"\u003cp\u003e El género de la naturaleza muerta surgió a principios del siglo XVII. Consistía en la representación de composiciones de sujetos inanimados, generalmente flores o frutas. Si bien inicialmente representaba una oportunidad para que los pintores experimentaran con una reproducción naturalista o fotográfica de la realidad, con el arte contemporáneo la naturaleza muerta también se convirtió en una forma de interpretarla. De hecho, como ocurrió, por ejemplo, en la vanguardia cubista o en Giorgio Morandi, la exploración profunda de los objetos buscaba una representación conceptual, más allá del simple elemento sensorial. En esta serigrafía, Mario Schifano lleva el tema de la naturaleza muerta a sus extremos, lo que, en consonancia con su investigación, se convierte en una poderosa expresión gestual y surge de una profunda reflexión sobre la relación entre el arte, la imaginería de masas y la tecnología.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra fue ejecutada de manera expresionista y abstracta. El bodegón se interpreta de forma extremadamente sintética, con un ejercicio de reducción casi brutal. La superficie es completamente bidimensional, sin espacio para la profundidad espacial. Las pinceladas delinean las formas de forma atormentada y nerviosa. El color se utiliza según una interpretación emocional y espiritual, sin conexión alguna con la realidad. Por lo tanto, la obra es muy indicativa de la concepción del artista sobre la reproducción de la realidad. Para Mario Schifano, la bidimensionalidad de la superficie pintada es comparable a la de una pantalla de televisión o un monitor de ordenador. Por esta razón, su enfoque pictórico, vinculado a la gestualidad del expresionismo abstracto estadounidense, también puede interpretarse como una interferencia, una perturbación eléctrica en una visión del mundo filtrada por la tecnología. Además, hay otro tema relevante, más estrechamente vinculado a la estética pop. Las imágenes que Schifano toma son siempre banales, estereotipadas, como postales kitsch (al igual que el bodegón, un género muy utilizado en la historia del arte). Pero el pictorialismo del artista actúa sobre la imagen masificada, dando un nuevo significado y una nueva poética a lo ordinario y mediocre.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eMario Schifano fue un artista romano nacido en 1934 en Homs, Libia. Fue el máximo exponente de la Escuela de la Piazza del Popolo. Este grupo de pintores se reunió en el Caffè Rosati y compartieron un lenguaje artístico inspirado en el arte pop, pero con una nueva sensibilidad también influenciada por los experimentos del expresionismo abstracto estadounidense. El uso de símbolos de la sociedad de consumo, repetidos en serie, es claramente pop, pero su interpretación pictórica, ya sea sucia o texturizada, o mediante técnicas gestuales como el dripping, ofrece una nueva visión y una reconfiguración diferente. Mario Schifano falleció en Roma en 1998.\u003c\/p\u003e","brand":"Catania Andrea abbassata da 1000 a 600€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56217995542914,"sku":"ACAT001","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/PHOTO-2021-09-01-11-27-01.jpg?v=1768470060"},{"product_id":"robert-indiana-classic-love","title":"ROBERT INDIANA - AMOR CLÁSICO","description":"\u003cp\u003e Robert Indiana (New Castle, Indiana, EE. UU., 1928) dijo una vez que se consideraba el\u003cbr\u003e\n menos pop entre los artistas pop. Le gustaría pensar en su trabajo principalmente como\u003cbr\u003e\n autobiográfico. Indiana, aunque a veces utilizó referencias literarias e históricas en su\u003cbr\u003e\n obras de arte, apoya el uso de la palabra escrita en el arte. El lenguaje entendido como\u003cbr\u003e\n El mensaje social fue la definición de su mantra. Las obras ESPERANZA y AMOR de\u003cbr\u003e\n Robert Indiana son sin duda sus piezas más reconocibles y buscadas, habiendo ya\u003cbr\u003e\n adquirió un estatus icónico. El uso exagerado de la escala, exhibido en sus cartas de enormes\u003cbr\u003e \nEl tamaño y los colores brillantes pueden ser característicos del período del arte pop, años\u003cbr\u003e\n durante el cual salieron a la luz estas obras, sin embargo sería reductivo sugerir que\u003cbr\u003e\n Simplemente la calidad cautivadora de las esculturas de Indiana les permitió\u003cbr\u003e\n trascienden su propio tiempo y llegan hasta nosotros hoy. La eternidad de estas esculturas puede\u003cbr\u003e\n atribuirse únicamente a la encapsulación del deseo primario por parte de Indiana\u003cbr\u003e\n Es humano sentir y experimentar las alegrías del amor y la esperanza, una comprensión\u003cbr\u003e\n que habla universalmente a los espectadores de todo el mundo.\u003c\/p\u003e","brand":"Marco Andolfi 3800€ abbassata a 3400€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218227081602,"sku":"MAND024","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDOLFI-24.jpg?v=1768472045"},{"product_id":"robert-indiana-german-love-2","title":"ROBERT INDIANA - AMOR ALEMÁN","description":"\u003cp\u003e Robert Indiana (New Castle, Indiana, EE. UU., 1928) dijo una vez que se consideraba el\u003cbr\u003e\n menos pop entre los artistas pop. Le gustaría pensar en su trabajo principalmente como\u003cbr\u003e \nautobiográfico. Indiana, aunque a veces utilizó referencias literarias e históricas en su\u003cbr\u003e\n obras de arte, apoya el uso de la palabra escrita en el arte. El lenguaje entendido como\u003cbr\u003e\n El mensaje social fue la definición de su mantra. Las obras ESPERANZA y AMOR de\u003cbr\u003e\n Robert Indiana son sin duda sus piezas más reconocibles y buscadas, habiendo ya\u003cbr\u003e\n adquirió un estatus icónico. El uso exagerado de la escala, exhibido en sus cartas de enormes\u003cbr\u003e\n El tamaño y los colores brillantes pueden ser característicos del período del arte pop, años\u003cbr\u003e\n durante el cual salieron a la luz estas obras, sin embargo sería reductivo sugerir que\u003cbr\u003e\n Simplemente la calidad cautivadora de las esculturas de Indiana les permitió\u003cbr\u003e\n trascienden su propio tiempo y llegan hasta nosotros hoy. La eternidad de estas esculturas puede\u003cbr\u003e\n atribuirse únicamente a la encapsulación del deseo primario por parte de Indiana\u003cbr\u003e\n Es humano sentir y experimentar las alegrías del amor y la esperanza, una comprensión\u003cbr\u003e \nque habla universalmente a los espectadores de todo el mundo.\u003c\/p\u003e","brand":"Marco Andolfi","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218228916610,"sku":"MAND025","price":8000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDOLFI-25-BIS.jpg?v=1768472048"},{"product_id":"robert-indiana-german-love-2-2","title":"ROBERT INDIANA - AMOR ALEMÁN","description":"\u003cp\u003e Robert Indiana (New Castle, Indiana, EE. UU., 1928) dijo una vez que se consideraba el\u003cbr\u003e\n menos pop entre los artistas pop. Le gustaría pensar en su trabajo principalmente como\u003cbr\u003e\n autobiográfico. Indiana, aunque a veces utilizó referencias literarias e históricas en su\u003cbr\u003e\n obras de arte, apoya el uso de la palabra escrita en el arte. El lenguaje entendido como\u003cbr\u003e\n El mensaje social fue la definición de su mantra. Las obras ESPERANZA y AMOR de\u003cbr\u003e\n Robert Indiana son sin duda sus piezas más reconocibles y buscadas, habiendo ya\u003cbr\u003e\n adquirió un estatus icónico. El uso exagerado de la escala, exhibido en sus cartas de enormes\u003cbr\u003e\n El tamaño y los colores brillantes pueden ser característicos del período del arte pop, años\u003cbr\u003e\n durante el cual salieron a la luz estas obras, sin embargo sería reductivo sugerir que\u003cbr\u003e\n Simplemente la calidad cautivadora de las esculturas de Indiana les permitió\u003cbr\u003e \ntrascienden su propio tiempo y llegan hasta nosotros hoy. La eternidad de estas esculturas puede\u003cbr\u003e\n atribuirse únicamente a la encapsulación del deseo primario por parte de Indiana\u003cbr\u003e\n Es humano sentir y experimentar las alegrías del amor y la esperanza, una comprensión\u003cbr\u003e\n que habla universalmente a los espectadores de todo el mundo.\u003c\/p\u003e","brand":"Marco Andolfi","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218229113218,"sku":"MAND026","price":8000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDOLFI-26-BIS.jpg?v=1768472050"},{"product_id":"robert-indiana-german-love-2-2-2","title":"ROBERT INDIANA - Amor checo","description":"\u003cp\u003e Robert Indiana (New Castle, Indiana, EE. UU., 1928) dijo una vez que se consideraba el\u003cbr\u003e\n menos pop entre los artistas pop. Le gustaría pensar en su trabajo principalmente como\u003cbr\u003e \nautobiográfico. Indiana, aunque a veces utilizó referencias literarias e históricas en su\u003cbr\u003e\n obras de arte, apoya el uso de la palabra escrita en el arte. El lenguaje entendido como\u003cbr\u003e\n El mensaje social fue la definición de su mantra. Las obras ESPERANZA y AMOR de\u003cbr\u003e\n Robert Indiana son sin duda sus piezas más reconocibles y buscadas, habiendo ya\u003cbr\u003e\n adquirió un estatus icónico. El uso exagerado de la escala, exhibido en sus cartas de enormes\u003cbr\u003e\n El tamaño y los colores brillantes pueden ser característicos del período del arte pop, años\u003cbr\u003e\n durante el cual salieron a la luz estas obras, sin embargo sería reductivo sugerir que\u003cbr\u003e\n Simplemente la calidad cautivadora de las esculturas de Indiana les permitió\u003cbr\u003e\n trascienden su propio tiempo y llegan hasta nosotros hoy. La eternidad de estas esculturas puede\u003cbr\u003e\n atribuirse únicamente a la encapsulación del deseo primario por parte de Indiana\u003cbr\u003e\n Es humano sentir y experimentar las alegrías del amor y la esperanza, una comprensión\u003cbr\u003e \nque habla universalmente a los espectadores de todo el mundo.\u003c\/p\u003e","brand":"Marco Andolfi 3000","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218229735810,"sku":"MAND028","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDOLFI-28-BIS.jpg?v=1768472052"},{"product_id":"aligi-sassu-momenti-di-pace-2-2","title":"ALIGI SASSU - Momentos de Paz","description":"\u003cdiv\u003e SERIGRAFÍA ORIGINAL A 20 COLORES SOBRE CARTÓN ACUARELA CONSTELACIÓN DE JADE 70 X 50 CM REALIZADA EN VENECIA SOBRE MARCOS DE FIORENZO FALLANI EN 225 EJEMPLARES, CADA UNA CON LA FIRMA AUTOGRAFIADA DEL ARTISTA Y LA IMPRESIÓN DEL SELLO SANZANOBI PARA GARANTIZAR SU AUTENTICIDAD\u003c\/div\u003e\n\n\u003cdiv\u003e\u003c\/div\u003e\n\n\u003cdiv\u003e\n\n\r \nAligi Sassu nació en Milán,\u003ca title=\"Lombardía\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Lombardia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLombardía\u003c\/a\u003e , hijo de Lina Pedretti, originaria de \u003ca title=\"Parma\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Parma\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eParma\u003c\/a\u003e , y ​​Antonio Sassu, \u003ca title=\"Cerdeña\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Sardegna\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eun sardo\u003c\/a\u003e , que en \u003ca title=\"1894\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1894\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1894\u003c\/a\u003e había sido uno de los fundadores del \u003ca title=\"Partido Socialista Italiano\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Partito_Socialista_Italiano\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePartido Socialista Italiano\u003c\/a\u003e en \u003ca title=\"Sassari\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Sassari\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSassari\u003c\/a\u003e y que se había mudado a Milán en \u003ca title=\"1896\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1896\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1896.\u003c\/a\u003e Su padre, un amigo cercano de \u003ca title=\"Carlo Carrà\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Carlo_Carr%C3%A0\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCarlo Carrà\u003c\/a\u003e , lo llevó en 1919, cuando tenía solo siete años, a la \u003ci\u003eExposición Nacional \u003ca title=\"Futurismo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Futurismo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eFuturista\u003c\/a\u003e\u003c\/i\u003e en la \u003ci\u003eGalería Moretti\u003c\/i\u003e en \u003ci\u003ePalazzo Cova\u003c\/i\u003e , que reunió a los más grandes futuristas y a la generación más joven.\r \n\r \nA principios de \u003ca title=\"1921\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1921\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1921,\u003c\/a\u003e la familia Sassu regresó a \u003ca title=\"Cerdeña\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Sardegna\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCerdeña\u003c\/a\u003e , a \u003ca title=\"Thiesi\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Thiesi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eThiesi\u003c\/a\u003e , en la provincia de Sassari, donde Antonio abrió una tienda. Allí, Aligi asistió a la escuela primaria y conoció por primera vez los \u003ca title=\"Equus caballus\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Equus_caballus\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ecaballos\u003c\/a\u003e , que más tarde se convertirían en su \u003ci\u003e\u003ca title=\"Marca\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Marchio\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003esello distintivo\u003c\/a\u003e\u003c\/i\u003e , y los vibrantes colores de Cerdeña que impregnarían su \u003ca title=\"Cuadro\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Pittura\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003epintura\u003c\/a\u003e . Tras una estancia de tres años, la familia regresó a Milán, donde Aligi mostró aún más su interés por \u003ca title=\"Lectura\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Lettura\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ela lectura\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Arte\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Arte\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eel arte\u003c\/a\u003e \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Futurista\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Futurista\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003efuturista\u003c\/a\u003e . \u003csup id=\"cite_ref-1\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[1]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e\n \u003cdiv class=\"thumb tright\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"thumbinner\"\u003e\n\n\n\u003ca class=\"image\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/File:Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e\u003cimg class=\"thumbimage\" src=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/3\/3e\/Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg\/220px-Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg\" srcset=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/3\/3e\/Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg\/330px-Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg 1.5x, https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/3\/3e\/Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg\/440px-Statue_%22Grande_cavallo_impennato%22_by_Aligi_Sassu_in_Piazza_San_Magno_Legnano.jpeg 2x\" alt=\"\" width=\"220\" height=\"293\" data-file-width=\"2448\" data-file-height=\"3264\"\u003e\u003c\/a\u003e\n\u003cdiv class=\"thumbcaption\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"magnify\"\u003e\u003c\/div\u003e\n\n Escultura de Aligi Sassu, Legnano\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\r \nEn \u003ca title=\"1925\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1925\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1925\u003c\/a\u003e , con su familia en apuros económicos, se vio obligado a abandonar la escuela. Inicialmente, trabajó como aprendiz en \u003ci\u003ePressa\u003c\/i\u003e , un taller \u003ca title=\"Litografía\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Litografia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003elitográfico\u003c\/a\u003e ; al año siguiente, trabajó como asistente de un decorador mural; al mismo tiempo, asistiendo a clases nocturnas, logró completar sus estudios. Junto con su amigo y \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Diseñador\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Designer\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ediseñador\u003c\/a\u003e futurista \u003ca title=\"Bruno Munari\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Bruno_Munari\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBruno Munari\u003c\/a\u003e , conoció a \u003ca title=\"Felipe Thomas Marinetti\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Filippo_Tommaso_Marinetti\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eFilippo Tommaso Marinetti\u003c\/a\u003e , el fundador del \u003ca title=\"Futurismo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Futurismo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003efuturismo\u003c\/a\u003e . Este encuentro fue fructífero: en \u003ca title=\"1928\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1928\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1928,\u003c\/a\u003e Marinetti lo invitó a participar con sus obras en la \u003ca title=\"Bienal de Venecia\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Biennale_di_Venezia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBienal de Venecia\u003c\/a\u003e .\r \n\r \nPoco después, junto con Bruno Munari, definió el \u003ci\u003eManifiesto de la Pintura «Dinamismo y Reforma Muscular»\u003c\/i\u003e (inédito hasta 1977), asumiendo como premisa básica la representación de formas dinámicas y antinaturalistas. En aquellos años, gracias a la amistad de su padre, pudo familiarizarse con las obras de \u003ca title=\"Umberto Boccioni\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Umberto_Boccioni\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBoccioni\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Carlo Carrà\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Carlo_Carr%C3%A0\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCarlo Carrà\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Gaetano Previati\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Gaetano_Previati\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGaetano Previati\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Gigante X\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Giandante_X\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGiandante X\u003c\/a\u003e (como se conocía a Dante Persico) y \u003ca class=\"new\" title=\"Giuseppe Gorgerino (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Giuseppe_Gorgerino\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGiuseppe Gorgerino\u003c\/a\u003e , inspirándose en ellos en ocasiones para sus pinturas. Estudió \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Picasso\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Picasso\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ea Picasso\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Diego Velázquez\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Diego_Vel%C3%A1zquez\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eDiego Velázquez\u003c\/a\u003e y el\u003ca title=\"Desnudez\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Nudit%C3%A0\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003edesnudo\u003c\/a\u003e plástico. De este período es \u003ci\u003eLa Última Cena\u003c\/i\u003e , la pintura que personifica el arte de Aligi Sassu y que, en la vestimenta moderna de los personajes y el entorno urbano, prefigura lo que sería su futuro estilo.\r \n\r \nEn los años entre \u003ca title=\"1927\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1927\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1927\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"1929\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1929\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1929\u003c\/a\u003e pintó principalmente cuadros de pequeño formato, a menudo teniendo como tema \u003ca title=\"Deporte\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Sport\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eel deporte\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Industria\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Industria\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ela industria\u003c\/a\u003e y las máquinas; así nacieron los \u003ci\u003eCiclistas\u003c\/i\u003e , \u003ci\u003elos Mineros\u003c\/i\u003e , \u003ci\u003eel Obrero\u003c\/i\u003e , \u003ci\u003elos Boxeadores\u003c\/i\u003e y los \u003ci\u003eHombres Rojos\u003c\/i\u003e . Con \u003ca title=\"Giacomo Manzú\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Giacomo_Manz%C3%B9\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGiacomo Manzù\u003c\/a\u003e , \u003ca class=\"new\" title=\"Nino Strada (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Nino_Strada\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eNino Strada\u003c\/a\u003e , \u003ca class=\"new\" title=\"Candido Grassi (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Candido_Grassi\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCandido Grassi\u003c\/a\u003e , \u003ca class=\"new\" title=\"Giuseppe Occhetti (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Giuseppe_Occhetti\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGiuseppe Occhetti\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Gino Pancheri\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Gino_Pancheri\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGino Pancheri\u003c\/a\u003e , en \u003ca title=\"1930\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1930\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1930\u003c\/a\u003e logró montar su primera exposición importante en Milán, también reseñada por Carlo Carrà. En \u003ca title=\"1934\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1934\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1934\u003c\/a\u003e permaneció durante un período de tres meses en \u003ca title=\"París\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Parigi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eParís\u003c\/a\u003e \u003csup id=\"cite_ref-2\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-2\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[2]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e (en la rue Elisée des Beaux Artes) estudiando en profundidad las obras de \u003ca title=\"Henri Matisse\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Henri_Matisse\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMatisse\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Théodore Géricault\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Th%C3%A9odore_G%C3%A9ricault\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eThéodore Géricault\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Eugenio Delacroix\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Eug%C3%A8ne_Delacroix\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eDelacroix\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Paul Cézanne\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Paul_C%C3%A9zanne\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCézanne\u003c\/a\u003e y las pinturas de los pintores del siglo XIX expuestas en el \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Lumbrera\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Louvre\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLouvre\u003c\/a\u003e .\r \n\r \nEn particular, la influencia de Delacroix y sus \u003ci\u003ebatallas\u003c\/i\u003e es claramente visible en las pinturas de Sassu. Regresó a París al año siguiente y de nuevo a principios de 1936. En \u003ca title=\"1935\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1935\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1935\u003c\/a\u003e formó el \u003ci\u003eGrupo Rojo\u003c\/i\u003e con \u003ca title=\"Niño Franchina\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Nino_Franchina\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eNino Franchina\u003c\/a\u003e , \u003ca class=\"new\" title=\"Vittorio Della Porta (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Vittorio_Della_Porta\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eVittorio Della Porta\u003c\/a\u003e y otros. En 1936 pintó \u003ci\u003eEl Café\u003c\/i\u003e , una de sus pinturas más famosas, que representa \u003ci\u003ea la Cúpula\u003c\/i\u003e en \u003ca title=\"París\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Parigi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eParís\u003c\/a\u003e , así como \u003ci\u003eLos Concilios\u003c\/i\u003e , una visión satírica del clero romano. Mientras tanto, su compromiso político aumentó y, cuando estalló la \u003ca title=\"Guerra Civil Española\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Guerra_civile_spagnola\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGuerra Civil\u003c\/a\u003e en \u003ca title=\"España\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Spagna\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eEspaña\u003c\/a\u003e , se convirtió en un activo antifascista. Antifranquista y simpatizante de los partisanos españoles, pintó El \u003ci\u003eFusilamiento en Asturias\u003c\/i\u003e .\r \n\r \nAcusado de conspiración y encerrado en la \u003ca title=\"Prisión de Regina Coeli\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Carcere_di_Regina_Coeli\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eprisión Regina Coeli\u003c\/a\u003e de \u003ca title=\"Roma\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Roma\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eRoma\u003c\/a\u003e , atravesó un período bastante problemático, al final del cual retomó la pintura. Sus dibujos con temas mitológicos y retratos de prisioneros datan de este período. Fue indultado en julio \u003ca title=\"1938\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1938\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ede 1938\u003c\/a\u003e , pero permaneció bajo vigilancia especial. Solo en \u003ca title=\"1941\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1941\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1941\u003c\/a\u003e pudo volver a exponer: por primera vez, los \u003ci\u003eUomini rossi\u003c\/i\u003e se presentaron en público. La exposición tuvo lugar en la \"Bottega di Corrente\". Aunque había participado activamente en \u003ca title=\"Actual (revista)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Corrente_(rivista)\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCorrente\u003c\/a\u003e \u003csup id=\"cite_ref-3\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-3\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[3]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e , la revista de oposición cultural al régimen, Sassu prefirió optar por una exposición personal, alejándose de las exposiciones colectivas de los artistas de la época.\r \n\r \nEn \u003ca title=\"1943\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1943\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1943\u003c\/a\u003e ilustró los \" \u003ci\u003ePromessi sposi\u003c\/i\u003e \" de \u003ca title=\"Alessandro Manzoni\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Alessandro_Manzoni\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eManzoni\u003c\/a\u003e con cincuenta y ocho acuarelas \u003csup id=\"cite_ref-4\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-4\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[4]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e . Presentó estas tablas más tarde, en \u003ca title=\"1983\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1983\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1983\u003c\/a\u003e , en \u003ci\u003ela casa de Manzoni\u003c\/i\u003e en Milán. En \u003ca title=\"1947\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1947\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1947\u003c\/a\u003e , tras mudarse a la \u003ca title=\"Provincia de Varese\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Provincia_di_Varese\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eprovincia de Varese\u003c\/a\u003e , trabajó con asiduidad, pintando en particular \u003ci\u003eCafé\u003c\/i\u003e , reminiscencias de \u003ca title=\"París\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Parigi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eParís\u003c\/a\u003e y temas sagrados. Poco después se dedicó a la cerámica, produciendo alrededor de cien piezas. De regreso a Cerdeña en \u003ca title=\"1950\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1950\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1950\u003c\/a\u003e , se inspiró en los paisajes que lo rodeaban y pintó escenas de la vida campesina y marinera, como el \u003ci\u003eTonnare\u003c\/i\u003e ; estudió los \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Murales\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Murales\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003emurales\u003c\/a\u003e y muralistas \u003ca title=\"Diego Rivera\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Diego_Rivera\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eDiego Rivera\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"José Clemente Orozco\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Jos%C3%A9_Clemente_Orozco\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eJosé Clemente Orozco\u003c\/a\u003e , y luego \u003ca title=\"Vincent van Gogh\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Vincent_van_Gogh\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eVincent van Gogh\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Piero della Francesca\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Piero_della_Francesca\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePiero della Francesca\u003c\/a\u003e . De esa época destaca \u003ci\u003eLa Minia\u003c\/i\u003e , el fresco de la hospedería de las minas de Monteponi (Iglesias) y no sólo por sus dimensiones, 3,50 m por 12 m.\n \u003cdiv class=\"thumb tright\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"thumbinner\"\u003e\n\n\n\u003ca class=\"image\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/File:Aligi_Sassu,_Martiri_di_Piazzale_Loreto,_(1944).jpg\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e\u003cimg class=\"thumbimage\" src=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/e\/ed\/Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg\/220px-Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg\" srcset=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/e\/ed\/Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg\/330px-Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg 1.5x, https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/e\/ed\/Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg\/440px-Aligi_Sassu%2C_Martiri_di_Piazzale_Loreto%2C_%281944%29.jpg 2x\" alt=\"\" width=\"220\" height=\"166\" data-file-width=\"1112\" data-file-height=\"841\"\u003e\u003c\/a\u003e\n\u003cdiv class=\"thumbcaption\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"magnify\"\u003e\u003c\/div\u003e\n\n Mártires de Piazzale Loreto\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\r \nCon Mazzotti y Fabbri, en \u003ca title=\"1954\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1954\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1954\u003c\/a\u003e , en \u003ca title=\"Vallauris\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Vallauris\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eVallauris\u003c\/a\u003e conoció \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Picasso\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Picasso\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ea Picasso\u003c\/a\u003e por primera vez. Dos años más tarde, en un nuevo encuentro en \u003ca title=\"La California\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/La_Californie\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLa Californie\u003c\/a\u003e , Picasso le mostró las esculturas que luego expondría en el Museo de \u003ca title=\"Antibes\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Antibes\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eAntibes\u003c\/a\u003e . Ese mismo año expuso en la Bienal de Venecia, entre otras obras \u003ci\u003e, Los mártires de Piazzale Loreto\u003c\/i\u003e , que \u003ca title=\"Giulio Carlo Argán\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Giulio_Carlo_Argan\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGiulio Carlo Argan\u003c\/a\u003e adquirió para la \u003ca title=\"Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Galleria_nazionale_d%27arte_moderna_e_contemporanea\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGalería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo\u003c\/a\u003e . En \u003ca class=\"new\" title=\"Albissola Capo (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Albissola_Capo\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eAlbissola Capo\u003c\/a\u003e pintó el ciclo de las \u003ci\u003eCrónicas de Albisola\u003c\/i\u003e , una buena representación de la vida artística de la ciudad que en aquella época veía reunirse a ceramistas, poetas, escritores, críticos, y de la que Aligi Sassu era protagonista junto a \u003ca title=\"Lucio Fontana\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Lucio_Fontana\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLucio Fontana\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Salvatore Fancello\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Salvatore_Fancello\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSalvatore Fancello\u003c\/a\u003e y otros artistas. La obra, encargada por el propietario de la \u003ci\u003eTrattoria Pescetto\u003c\/i\u003e , ocupaba una pared entera de treinta y cinco metros y, cuando el restaurante cerró 14 años después, fue completamente desmantelada. Hoy sólo quedan unas pocas fotografías.\r \n\nEn \u003ca title=\"Arcumeggia\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Arcumeggia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eArcumeggia\u003c\/a\u003e pintó los \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Frescos\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Affreschi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003efrescos\u003c\/a\u003e \u003ci\u003eCorredores\u003c\/i\u003e (1957), obra de considerables dimensiones en homenaje al ciclismo, \u003ci\u003eJesús clavado en la cruz\u003c\/i\u003e , XI estación del \u003ci\u003eVía Crucis\u003c\/i\u003e (1963), y \u003ci\u003eSan Martín da parte de su manto a los pobres\u003c\/i\u003e (1991).\n\r \nDiez años después, comenzó su etapa española (en \u003ca title=\"1963\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1963\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1963\u003c\/a\u003e en las Islas Baleares), con las \u003ci\u003eTauromachie\u003c\/i\u003e , presentadas por el poeta español \u003ca title=\"Rafael Alberti\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Rafael_Alberti\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eRafael Alberti\u003c\/a\u003e , los personajes mitológicos, sus experimentos con acrílicos y colores cada vez más brillantes (el rojo estará aún más presente en sus pinturas). En \u003ca title=\"1965\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1965\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1965,\u003c\/a\u003e sus dibujos y esculturas se expusieron en la Galleria Civica de Monza; luego fue el turno de una exposición antológica en Bucarest y, posteriormente, en la Galleria d'Arte Moderna de Cagliari (donde, en \u003ca title=\"1967\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1967\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1967\u003c\/a\u003e , también estuvo presente \u003ca title=\"Foiso Fois\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Foiso_Fois\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eFoiso Fois\u003c\/a\u003e ). Ese mismo año, se mudó a \u003ca title=\"Monticello Brianza\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Monticello_Brianza\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMonticello Brianza\u003c\/a\u003e , durante la cual pintó principalmente \u003ci\u003emurales\u003c\/i\u003e .\r \n\r \nA partir de \u003ca title=\"1968\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1968\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1968\u003c\/a\u003e pertenecen varias pinturas de gran tamaño, entre las que se encuentra el \u003ci\u003eChe Guevara\u003c\/i\u003e , donado al Museo de \u003ca title=\"la Habana\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/L%27Avana\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLa Habana\u003c\/a\u003e . En \u003ca title=\"1969\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1969\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1969\u003c\/a\u003e , en la Bienal, recibió el primer premio por el \u003ci\u003emural pintado\u003c\/i\u003e . En \u003ca title=\"1972\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1972\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1972\u003c\/a\u003e se casó con \u003ca class=\"new\" title=\"Helenita Olivares (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Helenita_Olivares\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eHelenita Olivares\u003c\/a\u003e . Viajando entre \u003ca title=\"Mallorca\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Maiorca\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMallorca\u003c\/a\u003e e \u003ca title=\"Italia\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Italia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eItalia\u003c\/a\u003e , colaboró ​​en \u003ca title=\"1973\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1973\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1973\u003c\/a\u003e con las \u003ca title=\"Vísperas sicilianas\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Vespri_siciliani\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eVísperas Sicilianas\u003c\/a\u003e para la reapertura del \u003ca title=\"Teatro Regio (Turín)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Teatro_Regio_(Torino)\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eTeatro Regio\u003c\/a\u003e de \u003ca title=\"Turín\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Torino\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eTurín\u003c\/a\u003e . En el \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Vaticano\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Vaticano\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eVaticano\u003c\/a\u003e se le dedicó una sala en la \u003ci\u003eGalería de Arte Moderno\u003c\/i\u003e . Tres años más tarde creó dos mosaicos para la parroquia de \u003ca title=\"Andrés el Apóstol\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Andrea_apostolo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSant'Andrea\u003c\/a\u003e en \u003ca title=\"Pescara\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Pescara\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePescara\u003c\/a\u003e y al año siguiente expuso sus obras en las ciudades de \u003ca title=\"Róterdam\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Rotterdam\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eRóterdam\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Toronto\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Toronto\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eToronto\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Mallorca\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Maiorca\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMallorca\u003c\/a\u003e . En \u003ca title=\"1984\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1984\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1984\u003c\/a\u003e realizó una primera exposición antológica en \u003ca title=\"Ferrara\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Ferrara\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eFerrara\u003c\/a\u003e , en el \u003ca title=\"Palacio de diamantes\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Palazzo_dei_Diamanti\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePalazzo dei Diamanti\u003c\/a\u003e , y luego en Roma en el \u003ca title=\"Castillo de Sant'Angelo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Castel_Sant%27Angelo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCastel Sant'Angelo\u003c\/a\u003e , a la que siguió una en Milán, en el \u003ca class=\"new\" title=\"Palacio Real de Milán (la página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Palazzo_reale_di_Milano\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePalazzo Reale\u003c\/a\u003e \u003csup id=\"cite_ref-5\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-5\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[5]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e .\r \n\r \nPosteriormente, realizó exposiciones en \u003ca title=\"Sevilla\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Siviglia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSevilla\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Alemania\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Germania\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eAlemania\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Madrid\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Madrid\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMadrid\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Toronto\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Toronto\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eToronto\u003c\/a\u003e , \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Montreal\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Montreal\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMontreal\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Ottawa\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Ottawa\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eOttawa\u003c\/a\u003e . En 1986 expuso en \u003ca title=\"Palma de Mallorca\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Palma_di_Maiorca\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ePalma de Mallorca\u003c\/a\u003e , en la \u003ca title=\"Cuadrienal de Roma\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Quadriennale_di_Roma\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eXI Quadriennale de Roma\u003c\/a\u003e , en la \u003ca title=\"Trienal de Milán\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Triennale_di_Milano\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eTrienal de Milán\u003c\/a\u003e y en la \u003ca title=\"La casa de Mantegna\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Casa_del_Mantegna\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eCasa del Mantegna\u003c\/a\u003e de \u003ca title=\"Mantua\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Mantova\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMantua\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Munich\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Monaco_di_Baviera\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eMúnich\u003c\/a\u003e . Ese mismo año realizó las ciento trece láminas sobre la \u003ci\u003eDivina Comedia\u003c\/i\u003e \u003csup id=\"cite_ref-6\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-6\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[6]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e . En 1992 participó en el proyecto expositivo \u003ca class=\"new\" title=\"Arte italiano en el mundo (esta página no existe)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/w\/index.php?title=Arte_Italiana_nel_mondo\u0026amp;action=edit\u0026amp;redlink=1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eArte Italiana nel mondo\u003c\/a\u003e en \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Sudamerica\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Sud_America\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSudamérica\u003c\/a\u003e , exponiendo en \u003ca title=\"São Paulo (Brasil)\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/San_Paolo_(Brasile)\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSan Paolo\u003c\/a\u003e , \u003ca title=\"Bogotá\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Bogot%C3%A0\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBogotá\u003c\/a\u003e y \u003ca title=\"Buenos Aires\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Buenos_Aires\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBuenos Aires\u003c\/a\u003e . En \u003ca title=\"Bruselas\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Bruxelles\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eBruselas\u003c\/a\u003e , en la nueva sede del \u003ca title=\"Parlamento Europeo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Parlamento_europeo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eParlamento Europeo\u003c\/a\u003e , realizó en \u003ca title=\"1993\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1993\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1993\u003c\/a\u003e el mural cerámico \u003ci\u003eI Miti del Mediterraneo\u003c\/i\u003e , que ocupa 150 metros cuadrados. Los grabados \u003ci\u003edel Manuscriptum\u003c\/i\u003e para la exposición itinerante en \u003ca title=\"Suecia\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Svezia\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eSuecia\u003c\/a\u003e \"I ponti di Leonardo\" datan de \u003ca title=\"1994\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1994\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1994.\u003c\/a\u003e La exposición en la \u003ca class=\"mw-redirect\" title=\"Galería de Arte Moderno y Contemporáneo de Bérgamo\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Galleria_d%27Arte_Moderna_e_Contemporanea_di_Bergamo\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eGalleria d'Arte Moderna e Contemporanea de Bérgamo\u003c\/a\u003e tuvo lugar al año siguiente, y la exposición antológica en \u003ca title=\"Palacio Strozzi\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Palazzo_Strozzi\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eel Palazzo Strozzi\u003c\/a\u003e \u003csup id=\"cite_ref-7\" class=\"reference\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Aligi_Sassu#cite_note-7\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e[7]\u003c\/a\u003e\u003c\/sup\u003e de \u003ca title=\"Florencia\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Firenze\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eFlorencia\u003c\/a\u003e en \u003ca title=\"1999\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1999\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1999\u003c\/a\u003e .\n \u003cdiv class=\"thumb tright\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"thumbinner\"\u003e\n\n\n\u003ca class=\"image\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/File:Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu,_1995_(Legnano).JPG\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e\u003cimg class=\"thumbimage\" src=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/2\/29\/Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG\/220px-Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG\" srcset=\"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/2\/29\/Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG\/330px-Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG 1.5x, https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/2\/29\/Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG\/440px-Right_side_of_%22Nuredduna%22_sculpture_by_Aligi_Sassu%2C_1995_%28Legnano%29.JPG 2x\" alt=\"\" width=\"220\" height=\"392\" data-file-width=\"2048\" data-file-height=\"3648\"\u003e\u003c\/a\u003e\n\u003cdiv class=\"thumbcaption\"\u003e\n\n\u003cdiv class=\"magnify\"\u003e\u003c\/div\u003e\n\n La escultura \u003ci\u003eNuredduna\u003c\/i\u003e de 1995\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\r \nEn \u003ca title=\"1996\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/1996\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e1996,\u003c\/a\u003e donó 356 obras, creadas desde 1927, a la ciudad de \u003ca title=\"Lugano\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Lugano\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eLugano\u003c\/a\u003e . Esto dio origen a la \u003ci\u003eFundación Aligi Sassu y Helenita Olivares\u003c\/i\u003e , que desde entonces ha realizado exposiciones temáticas de sus obras. El 25 de junio de 1999, la Fundación Aligi Sassu y Helenita Olivares se fundó en Mallorca por testamento del matrimonio Sassu. El 31 de marzo de 2000, se fundó en Besana, Brianza, la asociación cultural sin ánimo de lucro Amici dell'Arte di Aligi Sassu. Falleció en Pollença el 17 de julio de ese mismo año, a los 88 años, día de su \u003ca title=\"Cumpleaños\" href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Compleanno\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003ecumpleaños\u003c\/a\u003e .\n\n\n\u003c\/div\u003e","brand":"paolo tacchin 1710€","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218597392770,"sku":"patac003","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/momentidipace.jpg?v=1776669636"},{"product_id":"andy-warhol-mao","title":"Andy Warhol - Mao","description":"\u003cp\u003eLa obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración mecánica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra es emblemática de la investigación de Andy Warhol, fundador y máximo exponente del Pop Art. La imagen icónica de una figura histórica, símbolo por excelencia de la cultura mediática, se convierte en una obra de arte en sí misma. La intervención del pintor simplemente recontextualiza la imagen, siempre en el contexto de una reflexión sobre los nuevos lenguajes de la serialidad. La reproducción mecánica se convierte así en el principal medio de creación y difusión de la obra de arte, que a su vez se convierte en objeto de consumo. Formalmente, el color se satura de acuerdo con las nuevas exigencias de la imagen publicitaria.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eAndy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), fue un pintor, escultor, guionista, productor, director, director de fotografía, editor y actor estadounidense. Warhol fue una de las figuras más importantes del movimiento Pop Art. Su producción artística abarcó una multitud de obras, que reprodujo en serie. Las actividades y experimentos de su Factory marcaron una época y lo convirtieron en una de las figuras más influyentes de la cultura del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"Le Galloudec Evelyne","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218608271746,"sku":"ELEG007","price":600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/Warhol.jpg?v=1768474723"},{"product_id":"mario-schifano-cruise-to-infinity","title":"Mario Schifano - Crucero al Infinito","description":"","brand":"Ripa Salvatore","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218633601410,"sku":"SRIP009","price":600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/SCHIFANO-scaled_96cc8371-9040-4af1-a529-c89a80d6c15c.jpg?v=1768475040"},{"product_id":"andy-warhol-marilyn-monroe-11-30","title":"Andy Warhol - Marilyn Monroe 11.30","description":"\u003cp\u003eLa obra se inspira en la estética pop al utilizar imágenes famosas o producidas en masa y su reelaboración mecánica. El arte pop surgió en Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX como resultado del interés y la crítica de los artistas hacia la \"sociedad de consumo\" contemporánea. Todas las expresiones del arte pop presuponen una especie de doble vínculo con el mundo del consumismo y los medios de comunicación. Por un lado, la obra de arte se reduce a un mero producto de consumo, gracias al uso del lenguaje publicitario en las obras y a su reproducción en serie mediante procesos mecánicos. Por otro lado, como en este caso, las propias imágenes producidas en masa se convierten en obras de arte, como expresión más genuina y veraz de la nueva sociedad y gracias a la recontextualización del artista.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa obra es emblemática de la investigación de Andy Warhol, fundador y máximo exponente del Pop Art. La imagen icónica de la diva, símbolo por excelencia de la cultura mediática, se convierte en una obra de arte en sí misma. La intervención del pintor simplemente recontextualiza la imagen, siempre en el contexto de una reflexión sobre los nuevos lenguajes de la serialidad. La reproducción mecánica se convierte así en el principal medio de creación y difusión de la obra de arte, que a su vez se convierte en objeto de consumo. Formalmente, el color se satura de acuerdo con las nuevas exigencias de la imagen publicitaria.\u003c\/p\u003e\n\n\n \u003cp\u003eLa serigrafía se inspiró en la famosa obra de Andy Warhol, que inmortalizó el rostro de la diva en diversas versiones. En 1970, el artista permitió a dos amigos belgas producir una serie de serigrafías con el rostro de Marilyn, basadas en la serigrafía original, que se distinguían por algunas variaciones de color y la leyenda \"publicado por Sunday B. Morning\". Andy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), fue un pintor, escultor, guionista, productor, director, cinematógrafo, editor y actor estadounidense. Warhol fue una de las figuras más importantes del movimiento Pop Art. Su producción artística incluyó una multitud de obras, que reprodujo en serie. Las actividades y experimentos de su Factory marcaron una época y lo convirtieron en una de las figuras más influyentes de la cultura del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"Soligo Alberto","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218647888258,"sku":"ASOL001","price":1500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/Andy-Warhol-Marilyn.jpg?v=1768475256"},{"product_id":"mario-schifano-il-deserto","title":"Mario Schifano - El desierto","description":"","brand":"Fusetti Enea Mauro","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56218751926658,"sku":"EFUS001","price":1350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/PHOTO-2023-07-06-09-55-05-2.jpg?v=1768476448"},{"product_id":"andy-warhol-goethe","title":"Andy Warhol - Goethe","description":"","brand":"Landini Nathan","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56219198488962,"sku":"NLAN002","price":595.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/1-7_eeb1604f-2315-4481-80cf-d9a313055d08.jpg?v=1768478746"},{"product_id":"andy-warhol-harald-toni-shumacher","title":"Andy Warhol - Harald (Toni) Shumacher","description":"","brand":"Della Santa Stefano (15000)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56219217559938,"sku":"SDEL001","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ANDY-WARHOL.jpg?v=1768478950"},{"product_id":"la-dolce-vita-mimmo-rotella","title":"LA DULCE VIDA - MIMMO ROTELLA","description":"Artista de personalidad polifacética y conceptos visuales intensos, siempre alineados con un gusto vanguardista, Mimmo Rotella nació en Catanzaro el 7 de octubre de 1918. Tras graduarse en la \u003ca href=\"http:\/\/www.abana.it\/it\/\"\u003eAcademia de Bellas Artes de Nápoles\u003c\/a\u003e , se instaló en Roma en 1945. La primera etapa de su carrera se caracterizó por la experimentación con diferentes estilos pictóricos, lo que lo llevaría a revolucionar los lenguajes artísticos de la posguerra. En 1951, Rotella realizó su primera exposición individual en la Galería Chiurazzi de Roma, que recibió un gran reconocimiento. Sus pinturas comenzaron a despertar un interés considerable, tanto que ese mismo año recibió una beca de la \u003ca href=\"http:\/\/www.fulbright.it\/\"\u003eFundación Fulbright\u003c\/a\u003e . Esto le permitió asistir a la prestigiosa \u003ca href=\"https:\/\/kcai.edu\/\"\u003eUniversidad de Kansas City\u003c\/a\u003e . Rotella correspondió creando un panel mural en el Departamento de Física y grabando los primeros \u003ca href=\"https:\/\/www.youtube.com\/watch?v=vYgdBim-Ub4\"\u003epoemas fonéticos\u003c\/a\u003e que definió como «epistálticos». En 1952, fue invitado por \u003ca href=\"https:\/\/www.harvard.edu\/\"\u003ela Universidad de Harvard\u003c\/a\u003e a realizar un recital de poesía fonética en Boston y por la Biblioteca del Congreso de Washington a grabar algunos poemas fonéticos. De regreso a Italia, tras un período de reflexión sobre los medios de la pintura y la necesidad de utilizar nuevas herramientas, inventó la técnica del « \u003ca href=\"http:\/\/www.mimmorotellainstitute.it\/decollage.html\"\u003edécollage\u003c\/a\u003e », que consistía en arrancar carteles publicitarios colocados en las calles y pegar los fragmentos, ya fuera por delante o por detrás, sobre el lienzo. Ejemplos memorables de esta fase son «Un poco en su» y «Collage», ambos de 1954. A partir de 1958, Rotella abandonó gradualmente las composiciones puramente abstractas para crear décollages con imágenes claramente legibles. Esta tendencia culminó en la serie «Cinecittà», creada en 1962 (que incluye «Eroi in galera» y «Tre minuti di tempo») y en la serie dedicada a estrellas de cine y personajes famosos («Assalto della notte», 1962; «Marilyn calda», 1963, etc.).\r \n\nA partir de la década de 1960, Mimmo Rotella dedicó sus obras a la creación de carteles del cine mundial con los rostros de las grandes figuras de Hollywood. En 1961, invitado por el crítico \u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Pierre_Restany\"\u003ePierre Restany\u003c\/a\u003e , se unió al grupo \u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Nouveau_R%C3%A9alisme\"\u003eNouveaux Réalistes\u003c\/a\u003e , en el que Raymond Hains, Jacques Mah de la Villeglè y \u003ca href=\"https:\/\/it.qaz.wiki\/wiki\/Fran%C3%A7ois_Dufrene\"\u003eFrançois Dufrène\u003c\/a\u003e ya utilizaban carteles publicitarios con procesos similares al suyo. Tras mudarse a París en 1964, el pintor Mimmo Rotella continuó trabajando en la definición de una nueva técnica, \u003ca href=\"https:\/\/it.wikipedia.org\/wiki\/Mec-Art\"\u003eel Mec Art\u003c\/a\u003e , con la que crea obras mediante procesos mecánicos sobre lienzos de emulsión.\n\r \nEn 1972 publicó el volumen autobiográfico “Autorotella” para la editorial Sugar, interpretando sus poemas fonéticos en la presentación del libro en el \u003ca href=\"https:\/\/www.laboratorioformentini.it\/\"\u003eCircolo Culturale Formentini\u003c\/a\u003e de Milán.\n\n Las obras de Mimmo Rotella de los años 70 están marcadas por frecuentes viajes a Estados Unidos, India, Nepal, antes de establecerse definitivamente en Milán en 1980. De principios de los 80 pertenecen las “ \u003ca href=\"http:\/\/www.mimmorotellainstitute.it\/copertura-o-blank.html\"\u003eCoperture\u003c\/a\u003e ”, carteles que Mimmo Rotella cubre con hojas de papel que ocultan la imagen que hay debajo.\n\r \nRegresó a la pintura a mediados de los 90 con la serie \"Cinecittà 2\", que exploraba el tema del cine en lienzos de gran formato, y con la serie \" \u003ca href=\"http:\/\/www.mimmorotellainstitute.it\/sovrapittura.html\"\u003eSovratipture\u003c\/a\u003e \" sobre collage y chapa metálica. Estas intervenciones pictóricas sobre carteles rasgados pegados a paneles metálicos caracterizan la etapa más reciente del artista. \u003ca href=\"https:\/\/www.nonsolocinema.com\/E-MORTO-MIMMO-ROTELLA-L-INVENTORE.html\"\u003eFalleció en Milán el 8 de enero de 2006.\u003c\/a\u003e\n\n Las obras de Mimmo Rotella están a la venta a precios estables medio-altos.","brand":"GALLERIA OPUS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56219244986754,"sku":"OPUS0002","price":950.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/ROTELLA_04c14064-533b-4341-ba71-8ad86ff53ea3.jpg?v=1768479233"},{"product_id":"alberto-burri-senza-titolo-2","title":"Alberto Burri - Sin título","description":"","brand":"Farrotti Milco","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56220363424130,"sku":"MFAR003","price":2800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/2265415a-b1d4-4a29-9b47-74b333e63faf.jpg?v=1768490144"},{"product_id":"andy-warhol-dapres-ritratto-di-joseph-beuys","title":"Andy Warhol (después) - Retrato de Joseph Beuys","description":"","brand":"Rossetti Andera 3000","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56220723839362,"sku":"AROS003","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/RIGA-3-WARHOL-ROSETTI--scaled.jpg?v=1768492755"},{"product_id":"mario-schifano-cuba","title":"Mario Schifano - Cuba","description":"","brand":"GENNARI CRISTINA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56559938011522,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/IMG_4064_dcee8d79-e953-46b5-aa2d-0cfa0bb54f87.jpg?v=1776168338"},{"product_id":"robert-indiana-love","title":"Robert Indiana - Love","description":"\u003cp\u003eTappeto in lana in tiratura limitata. \u003c\/p\u003e","brand":"MASSIMILIANO DI PIETRO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":56598117908866,"sku":null,"price":2000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0909\/7065\/3058\/files\/PHOTO-2026-04-07-14-45-37.jpg?v=1777464965"},{"product_id":"omaggio-a-imola-michele-cascella","title":"Omaggio a Imola - Michele Cascella","description":"\u003ch2\u003eOmaggio a Imola — Michele Cascella\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUn paesaggio dell'anima, sospeso tra luce e memoria. \u003cem\u003eOmaggio a Imola\u003c\/em\u003e è un olio su tela di Michele Cascella, maestro indiscusso della pittura figurativa italiana del Novecento, capace di trasformare ogni veduta in un racconto poetico fatto di colore e atmosfera.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa composizione rivela la cifra stilistica inconfondibile di Cascella: pennellate vibranti che catturano la luminosità del paesaggio emiliano, una tavolozza calda e avvolgente che invita lo sguardo a indugiare sui dettagli, a perdersi nella profondità della scena. 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