Anónimo - San Luis Gonzaga

La obra representa a un santo vestido de sacerdote con un crucifijo en la mano. Este atributo iconográfico, en particular, sugiere una representación de San Luis Gonzaga. Sus rasgos faciales, con un rostro bien afeitado y una apariencia bastante juvenil, también respaldan esta hipótesis. Sin embargo, faltan algunos elementos recurrentes en las representaciones de este santo, como el lirio y la calavera. San Luis Gonzaga, nacido en Castiglione delle Stiviere en 1568 y fallecido en Roma en 1591, fue un santo muy venerado entre los siglos XVII y XVIII. Fue uno de los representantes más importantes de la Compañía de Jesús, un erudito en ciencias, literatura y filosofía, y su vida es recordada como una vida de sacrificio y cuidado de los enfermos. Murió de peste con tan solo 23 años, tras trasladar a un enfermo al hospital. Fue beatificado en 1605 y canonizado en 1726.

Esta obra forma parte de un par de pinturas que representan las efigies de dos de los santos más venerados de los siglos XVII y XVIII. Ambas obras parecen haber sido creadas por el mismo artista, tanto en lo que respecta a los rasgos faciales de los sujetos como a su estilo, que exhibe varias características típicas de la pintura clasicista de los siglos XVII y XVIII. En primer lugar, un marcado naturalismo: sus santos están representados con precisión anatómica y fisonómica, y sus volúmenes están enfatizados. Hay cierto grado de idealización de los sujetos, evidente en las poses grandilocuentes que enfatizan la santidad de las figuras. Todos estos son elementos derivados del gran naturalismo del Renacimiento, pero es muy evidente que se trata de una sensibilidad diferente, al menos del siglo XVII. Esto se puede discernir por el predominio de tonos oscuros y el fondo completamente descontextualizado, del que la imagen emerge iluminada por una luz tenue. En resumen, el método de ejecución refleja predominantemente la búsqueda del naturalismo típicamente asociado con el siglo XVII. De hecho, en oposición a la artificialidad del manierismo, los artistas, guiados también por las directrices del Concilio de Trento respecto al arte sacro, regresaron a un registro estilístico clásico que se inspiró en el naturalismo renacentista, especialmente en el de Tiziano y Rafael. Así, en nuestro artista, el volumen de los sujetos, capturado de cintura para arriba, resulta muy concreto, creando su propio espacio dentro de la obra. Además, la técnica del artista es una aplicación esmaltada que permite el suave sombreado de los tonos de la piel y que el sujeto se inserte fácilmente en el espacio, a pesar de la acentuada plasticidad que caracteriza toda la representación. Las sotanas están representadas con gran realismo, típicamente del siglo XVII, expresando a la vez sencillez y piedad religiosa.

Un análisis de la pintura destaca dos factores en particular. Por un lado, la búsqueda de un naturalismo absoluto del tema, en línea con una concepción clasicista de la pintura. Por otro lado, en la expresión del santo, un cierto pietismo íntimo y una búsqueda del patetismo religioso. La combinación de estos dos factores sugiere que el artista de la pintura se remonta a los siglos XVII y XVIII, en ese clima de religiosidad austera que moldeó la producción artística tras los decretos de la Contrarreforma del Concilio de Trento. El artista que creó la obra está inmerso en el clima de los siglos XVII y XVIII, como podemos deducir no solo del carácter realista de la representación, sino también del predominio de tonos oscuros y la presencia de un fondo que tiende a la sombra, pero iluminado por una luz suave y difusa. Sin embargo, el pintor no se deja tentar en lo más mínimo por la exuberancia de una estética barroca, manteniéndose coherente con un sentimiento religioso íntimo y doméstico y, en el plano formal, fiel a un canon clasicista con una composición sobria y un estilo que evita el pictorialismo excesivo.

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