Atribuido a Gerolamo Colleoni - La Virgen y el Niño con la túnica de Salvator Mundi

La iconografía de la maternidad está estrechamente ligada al tema de la Virgen con el Niño. Es probablemente una de las iconografías más populares a lo largo de la historia del arte occidental y oriental. La Virgen con el Niño aparece desde los albores de la pintura medieval y se mantuvo como un tema constante mientras los temas religiosos dominaron la producción artística (es decir, hasta el siglo XIX, cuando comenzaron a introducirse temas inspirados en la vida cotidiana). En el caso de esta obra, el artista inventa un tipo de iconografía que, entre las Vírgenes con el Niño de la historia del arte italiano, constituye una auténtica rareza. De hecho, el artista introduce un elemento inusual: representa al Niño Jesús como el llamado "Salvator Mundi". Aparece en una postura solemne, bendiciendo, sosteniendo un globo terráqueo, símbolo de la creación. Este tipo de iconografía se reservaba para las representaciones de Cristo adulto, y es verdaderamente excepcional encontrarla en una Virgen con el Niño, lo que convierte a esta obra en algo verdaderamente único y extraordinario. Además, el “Salvator Mundi” es un tema iconográfico especialmente extendido en el norte de Europa, y su aparición en esta obra se debe sin duda a los numerosos contactos que los artistas flamencos tenían en la región del Véneto, zona de la que procede el pintor que realizó la obra en cuestión.

Formalmente, la obra respeta plenamente todas las prerrogativas de la pintura veneciana de finales del Renacimiento. Esto se aprecia especialmente en la composición, que pone un extraordinario énfasis en el entorno natural. El grupo con los dos personajes se encuentra en primer plano, reclinado en una silla con dosel, mientras un espléndido paisaje se abre a la izquierda. Así, la obra refleja los prototipos más famosos de Giovanni Bellini o, yendo aún más atrás, de Cima da Conegliano, lo que confirma sus orígenes venecianos. Sin embargo, el hecho de que nos encontremos en el siglo XVI queda atestiguado por el salto del artista a una tonalidad madura, que construye el espacio de la obra mediante sutiles pasajes de color y luz. Así, las figuras se integran a la perfección en el paisaje, gracias a una representación atmosférica que, si bien realza sus formas monumentales, típicamente del siglo XVI, las matiza con naturalidad. Dentro de esta indudable filiación veneciana, cabe señalar, sin embargo, que este artista muestra ciertas afinidades con la pintura nórdica, en una cierta dureza de los drapeados debido a una considerable importancia dada a la estructura del dibujo.

Como bien se señala en el estudio de la Dra. Federica Spadotto sobre esta obra, la combinación de elementos atribuibles a la región del Véneto y cierta influencia de la pintura flamenca vincula a este pintor con el círculo de Lotto, formado por artistas que, al igual que el gran maestro, combinaban el espíritu clásico del Renacimiento tardío con un cierto deseo de realismo típicamente nórdico (como los exponentes de la Escuela Bresciana, Moretto, Savoldo y Romanino). Basándose en esta suposición, la Dra. Federica Spadotto ha atribuido la obra en cuestión a Gerolamo Colleoni, artista nacido en Calusco d'Adda alrededor de 1500 y fallecido en Bérgamo en 1570. Fue un artista muy cercano a Lorenzo Lotto, cuya obra parece seguir los pasos del maestro, aunque la herencia lombarda del pintor sigue siendo sólida.

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