Desconocido - Dos querubines

El putto, o niño alado, es uno de los motivos iconográficos más recurrentes y extendidos a lo largo de la historia del arte occidental. Proviene directamente de la antigüedad griega y romana y se originó como representación de Eros/Cupido, el dios del amor, o, de forma más general, como un cupido. Precisamente por su conexión con la cultura clásica, la figura del putto fue sistemáticamente recuperada en el siglo XV humanista. Fue Donatello quien utilizó por primera vez el putto como motivo decorativo en sus famosas Cantorie, inspirado en el modelo de los sarcófagos antiguos. Posteriormente, especialmente a partir del siglo XVI, la figura del putto se convirtió en parte activa de las principales escenas religiosas, experimentando una transposición de la mitología clásica a la religión cristiana y asumiendo el papel de un ángel con rasgos infantiles. En el siglo XVII, fue un motivo iconográfico muy popular, especialmente en el Barroco, a veces mediante la representación de solo la cabeza con alas.

La ejecución de este grupo de putti exhibe un exquisito espíritu barroco, tanto en su composición como en la técnica pictórica empleada. En cuanto a la composición, podemos observar cómo, en consonancia con una concepción típicamente del siglo XVII inspirada en el gran naturalismo del Renacimiento (y específicamente en Correggio para su modelo de los putti voladores), los temas se exaltan con una plasticidad monumental, incluso en la representación de figuras infantiles. Sin embargo, podemos señalar la insistencia del artista en la suavidad y la tersura de la carne como ya específicamente barroca, evidente en las extremidades redondeadas, los pliegues prominentes y los rostros exuberantes. Siguiendo en el ámbito del análisis compositivo, el audaz escorzo que presenta este grupo de putti en vuelo puede describirse como aún más barroco (y en este caso, el modelo de Correggio, fundamental para la definición de los techos barrocos, es aún más evidente e identificable en las figuras de putti que aparecen en la cúpula de la Cámara de la Abadesa del Monasterio de San Pablo de Parma). Así, el artista representa estas figuras con un acentuado "de abajo a arriba", sugiriendo una vista desde abajo y realzando teatralmente el efecto dinámico del vuelo. Este dinamismo específicamente barroco se expresa también en la variedad de movimientos y la complejidad de los drapeados, basados ​​en ritmos curvos y quebrados. Como ya se ha mencionado, la obra también refleja formalmente un espíritu profundamente barroco. La técnica del artista presenta una fuerte calidad pictórica que sintetiza los temas en una atmósfera potente y sulfurosa. Las formas casi se disuelven bajo la influencia de la luz dorada, que unifica coherentemente la escena.

Como hemos visto en nuestro análisis de esta obra, el artista destaca como un excelente representante de un estilo pictórico plenamente barroco. Su técnica es excepcional en la ejecución de un escorzo acentuado que presenta a las figuras en un vuelo sugerente y dinámico. Su estilo posee una fuerte atmósfera que casi disuelve las formas, una de las principales características de la pintura barroca.

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