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Getulio Alviani
Artista polifacético, crítico de arte y director institucional, Getulio Alviani surgió en la década de 1960 como uno de los principales exponentes del arte programado. También conocido como arte cinético u op art, este movimiento se caracteriza por el uso de materiales industriales y la importancia que se otorga al diseño y a los modos de experiencia, programados casi científicamente. Tras estudiar arquitectura, Alviani se dedicó a una producción artística que se sitúa en la intersección de la arquitectura, el diseño industrial y el diseño gráfico, con Una predilección por los materiales y geometrías frías que, sin embargo, requieren la participación activa del público. La rigurosa investigación de Alviani a menudo se centra en el tema del movimiento, real o ilusorio, logrado mediante la luz y los efectos ópticos. Sus primeras obras (Superfici a testura vibratile) son módulos regulares de láminas de aluminio cuyas superficies están fresadas, pulidas o cromadas. Alviani crea También obras ambientales, como Interrelazione cromospeculare (1969), un espacio donde espejos y colores se mueven y se fusionan con la intervención del público. Cercano a los colectivos Gruppo T y Gruppo N, Alviani expuso en la Bienal de Venecia de 1964, en una sala con Enzo Mari y Enrico Castellani. En 1965 fue invitado a la exposición fundamental de arte cinético. “The Responsive Eye” en el MoMA, mientras que en 1968 participó en la Documenta 4, a la que siguieron importantes encargos en todo el mundo y participaciones en exposiciones en prestigiosas instituciones de Italia. y en el extranjero.
Carla Accardi
Figura destacada del arte abstracto italiano y de la escena artística posterior a la Segunda Guerra Mundial, Carla Accardi cofirmó en 1947 el manifiesto del grupo Forma 1 en Roma, en el que abogaba por un lenguaje basado en el color y el dibujo de formas abstractas, en consonancia con la investigación contemporánea que se desarrollaba en Europa. En los años siguientes, la artista participó en numerosas exposiciones en Italia y en el extranjero; en 1964, se dedicó una sala individual a su obra en el Pabellón Italiano de la Bienal de Venecia, donde volvería a exponer en 1976, 1978 y 1988. La pintura de Carla Accardi, que rechaza cualquier imagen figurativa o realista, es un tejido de rigurosos motivos geométricos que parecen creaciones libres dictadas por el inconsciente. Inicialmente caracterizadas por marcas blancas lineales sobre fondo negro, en la década de 1960 las composiciones adoptaron el color, expresado en complejos y vibrantes diseños bitono con un intenso tono emocional. Durante la década de 1970, en pleno auge económico, la artista sustituyó el soporte tradicional de lienzo por láminas de sicofoil, un plástico transparente. Montadas en capas sobre el marco visible o incluso enrolladas y colocadas directamente sobre el suelo, las sicofoil pintadas con características marcas geométricas se convierten en un diafragma donde la transparencia del soporte regula el paso de los rayos de luz, en una superposición continua de planos que interactúan con el entorno, como en Rosso scuro (1974) y Punto con raggi (1972).
Enrico Castellani
La investigación artística de Enrico Castellani es el resultado de una profunda y cuidadosa reflexión sobre la pintura y su significado tradicional. Tras asistir a cursos de pintura y escultura en la Academie Royale des Beaux-Arts de Bruselas y lecciones de arquitectura en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, en 1956 regresó a Milán, donde en 1959 fundó, junto con Piero Manzoni y Vincenzo Agnetti, la revista "Azimuth", que promovía un experimento encaminado a superar el concepto La comprensión tradicional de la obra de arte y sus limitaciones. Protagonista de una época de gran efervescencia artística en Italia, en 1964 estuvo presente en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Pabellón Italiano. En 1968 participó en la Documenta 4 de Kassel, y ese mismo año lideró las protestas en la Trienal de Milán y la Bienal de Venecia. Superficie Negra es de 1959, su primera pintura monocroma obtenida modelando la superficie en introflexiones y extroflexiones del lienzo, a través de una estructura posterior de clavos fijados sobre un marco particular preparado por el artista según un riguroso diseño geométrico. La disposición de los relieves se determina periódicamente en función del tamaño del lienzo y el color elegido —siempre monocromático— y responde al movimiento de luz deseado; en lo que ya no se considera una superficie bidimensional, entran en juego la luz, el tiempo y el espacio. Superficie bianca (1968) se inscribe en la línea de la investigación artística que considera la obra como un todo único, compuesto por lienzo y bastidor, en el que el entorno y la luz circundante crean ritmos espacio-temporales en constante cambio.
Mauricio Cattelan
Artista de indiscutible fama, que ha generado debate mundial sobre sí mismo y sus obras de arte desconcertantes, irritantes, irónicas e inquietantes, Maurizio Cattelan, ante este éxito inestimable, ha declarado repetidamente que eligió ser artista porque es una profesión donde no hay necesidad de trabajar. El tema mismo del trabajo, entendido como el terror al fracaso personal en... La sociedad contemporánea y, como consecuencia del desempleo, es uno de los temas que el artista aborda en sus obras, por ejemplo, al representar la figura del hombre sin hogar. Cattelan, por lo tanto, junto con su vena lúdica, impertinente e irreverente hacia los íconos del arte (desmantela el credo de Joseph Beuys sobre el arte como regeneración social; se burla del ready-made de Duchamp (destruye el enfoque artístico de Lucio Fontana) y los símbolos del poder político (sus representaciones de Kennedy, Juan Pablo II, Hitler), Cattelan declara abiertamente su reflexión sobre el sufrimiento, la infelicidad y la insatisfacción de la era contemporánea, y sobre la condición de sumisión a los dogmas que oprimen al hombre hoy. Es el lado melancólico de Cattelan el que emerge y se hace evidente en Bidibidobidiboo (1995), un autorretrato surrealista del artista como una ardilla suicida dentro de una cocina en miniatura, una reproducción de la que vivió de niño. La referencia a la infancia también la sugiere el título, de cuento de hadas, que conecta grotescamente la violencia del acto suicida con el poder de... fórmula mágica, redimiendo al hombre de la condición de sumisión, hacia una escapatoria. En la segunda obra presentada en la exposición (All, 2008), Cattelan aborda el tema de la muerte de una manera aún más abiertamente trágica. Nueve cuerpos alineados como en Una tumba está cubierta por una lámina ligera que cubre las extremidades, perfectamente delineadas por la factura casi barroca del mármol de Carrara. Es un reflejo del artista sobre diversos temas que siempre han recurrido a la historia de la humanidad, como las masacres, las persecuciones, muertes injustificadas, los mártires, que, como el arte de Cattelan, desorientan y desconciertan el inconsciente colectivo.
Gino De Dominicis
El misterio rodea la vida de Gino De Dominicis, tanto como hombre como artista, y su propia muerte está envuelta en la oscuridad. Personaje trascendental, vivió al margen de toda norma, aislado de cualquier movimiento artístico, prefiriendo permanecer anclado únicamente en sí mismo. Amante del juego, lo que le llevó a vivir más de noche que de día, creó una especie de leyenda a su alrededor, pero nunca permitió que su vida quedara documentada en libros o fotografías, al igual que sus obras, que recompró solo para destruirlas. De Dominicis desarrolló su poética entre finales de los años sesenta y finales de los setenta, centrando su filosofía en la temporalidad de los acontecimientos, la inmortalidad del cuerpo, los objetos invisibles (la dicotomía presencia/ausencia) y el misterio de la creación y la existencia humana (expresado en su interés por la civilización sumeria). Desde la década de 1980, se ha dedicado más a la pintura, especialmente al temple y al lápiz sobre madera, haciendo de ciertos elementos visuales sus señas de identidad: hombres con narices largas, mujeres con trompas, cuerpos deformados con manos pequeñas y cráneos enormes, sombras majestuosas, casi rozando lo grotesco. Su mensaje, a menudo tan indescifrable, pretende subrayar la centralidad del arte, que, a través de la obra, se convierte en creación y misterio. Este aura enigmática también se encuentra en los tonos cromáticos y compositivos de la primera pintura figurativa de De Dominicis, Io a Roma (1986), caracterizada por una figura a la derecha y el obelisco de la Piazza del Popolo a la izquierda, dominado por una luna llena. Roma es su ciudad adoptiva, la ciudad eterna por excelencia, que, precisamente por su inmortalidad única, el artista ha amado por encima de todo.
Venta de cuadros Destacados - Gustav Klimt - Esperanza II
Una mujer embarazada inclina la cabeza y cierra los ojos como si rezara por la seguridad de su hijo. Una calavera asoma tras su vientre, simbolizando el peligro que corre. A sus pies, tres mujeres con la cabeza inclinada alzan las manos, presumiblemente en oración, aunque con tal solemnidad que sugiere luto, como si predijeran el destino del niño. ¿Por qué se titula así la pintura? Klimt originalmente tituló esta obra Visión, y otra representación anterior de una mujer embarazada, Esperanza; por lo tanto, por asociación con la anterior, esta pintura se conoce como Esperanza II. Sin embargo, hay una riqueza aquí que compensa la gravedad de la mujer. La inspiración artística de Klimt, al igual que la de otros artistas de su época, no solo se originó en Europa, sino también mucho más allá de sus fronteras. Vivió en Viena, encrucijada entre Oriente y Occidente, y se inspiró en el arte bizantino, la metalistería micénica, las alfombras y miniaturas persas, los mosaicos de Rávena y los biombos japoneses. En esta pintura, el vestido con estampados dorados de la mujer —diseñado a la perfección, como las prendas de los iconos rusos, mientras que su piel se expresa con redondez y tridimensionalidad— es de una extraordinaria belleza decorativa. El nacimiento, la muerte y la sensualidad de la vida se encuentran aquí en equilibrio.
Venta de cuadros destacados - Edvard Munch - La tormenta
Munch pintó la tormenta en Aasgaardstrand, un pequeño pueblo costero noruego donde solía alojarse. Ese verano, efectivamente, se desató una fuerte tormenta, pero este no parece ser el tema de la pintura, ni siquiera sus secuelas, sino más bien una tormenta interna, una angustia mental. De pie junto al agua, en el misterioso azul medianoche de un verano escandinavo, una mezcla de luces y sombras, una joven se agarra la cabeza. Otras mujeres, de pie a cierta distancia, repiten su mismo gesto angustiado, sin que se sepa por qué. Su disposición en círculo y el vestido blanco de la protagonista sugieren algún antiguo ritual pagano, aunque la sólida casa al fondo, con sus ventanas iluminadas, sugiere una vida normal de la que las mujeres están excluidas, o quizás ellas mismas no toleran la antigua expresión de Munch. Revela la transformación de recuerdos o emociones personales en una dimensión onírica, mítica y enigmática. Su contacto con la poesía simbolista francesa durante su estancia en París lo convenció de la urgente necesidad de un arte más subjetivo: ya no se necesitaban más cuadros de «gente leyendo y mujeres tejiendo». Participando en el movimiento simbolista internacional en la década de 1990, se convertiría en un precursor del expresionismo.
Venta de cuadros destacados - Auguste Rodin - Monumento a Balzac
Rodin, encargado de crear una obra conmemorativa para el más grande novelista francés, se dedicó durante siete años a estudiar la biografía y la obra del escritor, hizo posar modelos que se le parecían y confeccionó ropa a su medida. En esencia, sin embargo, Rodin no pretendía celebrar la apariencia física de «Honoré de Balzac» tanto como la idea y el espíritu del hombre, su energía creativa: «Pienso en su laboriosidad, su difícil existencia, sus constantes batallas y su inmenso coraje. Esto es lo que me gustaría expresar». Muchos de los estudios para esta obra son desnudos, pero Rodin vistió la figura inspirándose en la bata que solía usar el escritor, a quien le encantaba trabajar de noche. El resultado es una figura fálica, monolítica y exenta que se alza, dominada por el relieve rugoso y las cavidades que definen el rostro y la cabeza. El monumento a Balzac es una metáfora visual de la energía y el genio del autor, pero cuando el modelo de yeso se exhibió por primera vez en París en 1898 y fue duramente criticado, acusándolo de parecerse a un saco de carbón, un muñeco de nieve o una foca, la sociedad literaria que lo encargó lo calificó de "boceto burdo". Rodin conservó el modelo de yeso en su casa a las afueras de París, y no fue fundido en bronce hasta años después de su muerte.
Venta de cuadros destacados - Paul Cézanne - La bañista
La Bañista es una de las pinturas de figuras más evocadoras de Cézanne, aunque los esbeltos músculos del torso y los brazos no revelan aspiraciones heroicas y el dibujo, de acuerdo con los cánones tradicionales del siglo XXI, es tosco e impreciso. La pierna izquierda de la bañista está adelantada y firmemente apoyada en el suelo, mientras que la derecha, retraída, no soporta peso. El lado derecho del cuerpo está elevado en comparación con el izquierdo, la barbilla baja asimétricamente y el brazo derecho es oblongo y oblicuo. El paisaje es árido como un desierto, pero los colores verde, morado y rosa desmienten esta definición. La inmensidad onírica se adapta bien a la bañista pensativa. Asimismo, las sombras del cuerpo no tienden al negro, sino que adoptan los tonos del aire, la tierra y el agua, y las pinceladas crean una red de tramas y manchas impetuosas pero extremadamente refinadas. La figura se acerca a nosotros, pero no nos mira. Se trata de una inquietud típicamente moderna, que revela que, a pesar del profundo respeto de Cézanne por el arte tradicional, no representó el desnudo masculino como los artistas clásicos o renacentistas. «Quería un arte sólido y duradero, como el arte de los museos», pero que también reflejara la sensibilidad moderna y la nueva forma de concebir las impresiones visuales y la luz de los impresionistas. Quería un arte de su tiempo que desafiara la tradición del pasado.