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LONDRES: 235 MILLONES RECAUDADOS

por VendeQuadri en Blog
¡Lejos del objetivo de 100 millones de libras! La gran exhibición londinense de octubre dedicada al arte contemporáneo recaudó (entre Christie's, Sotheby's y Phillips) cerca de 184.416.675 libras, algo menos de 235 millones de euros. Si a esto le sumamos las 44 obras maestras de la Colección Essl, vendidas en Christie's, el total asciende a 231,2 millones de libras. La fiebre del arte contemporáneo está en su apogeo. Sotheby's, además de una histórica subasta italiana (41,3 millones de libras), vendió por 28,2 millones de libras en su subasta vespertina. El precio más alto lo obtuvo el maestro vivo del Informal, Pierre Soulages (2.658.500). En Christie's, Evening estableció cinco récords para artistas emergentes (Joe Bradley, Rachel Whiteread, Toby Ziegler, Brent Wadden y Louis Eisner). Catorce lotes se vendieron por más de un millón de libras. Tres por más de dos millones de libras. Y tres por más de cuatro millones de libras. El precio más alto lo obtuvo Peter Doig, de cincuenta años (4.562.500). El segundo y tercer puesto fueron para Gerhard Richter (4.450.500) y Jean-Michel Basquiat con Love Dub for A (4.338.500). PISTOLA PISTOLA ESTILO ITALIANO En las subastas diarias, además de las obras menores de artistas italianos históricos (todas vendidas), Michelangelo Pistoletto subió significativamente de precio con un ejemplar múltiple de 1971 (El Baño Turco), cuyo ejemplar 75/150 partía de 9.000 y se detenía en 26.250 libras. Las dos pinturas Blu de Marcello Lo Giudice, presentes en las subastas principales y con un valor estimado de entre 24.000 y 36.000, sumaron 101.250 libras. En Phillips (que recaudó 20 millones en las dos primeras subastas en la nueva sede de Berkeley Square, 30), la impresión fotográfica de Paola Pivi se vendió por 17.500 libras. Ahora, tras la emoción de Londres, a la espera de las grandes subastas de noviembre en Nueva York, nuestros entusiastas y coleccionistas pueden relajarse con las subastas italianas. Entre Roma, Génova, Florencia, Prato y Vercelli, la oferta es rica y variada. Farsetti (www.farsettiarte.it) ofrece un amplio catálogo con una selección de obras de interés histórico y artístico, tras la recuperación del mercado de antigüedades. ÉL Y SU PISTOLA ÉL Y SU PISTOLA El jueves 30 y el viernes 31, el catálogo presenta muebles y pinturas antiguas. Entre ellas, una Flagelación de Cristo de Luca Giordano (20.000-30.000 €) y una Vista de Roma pintada en 1855 por Ippolito Caffi (18.000-24.000 €). El sábado se presentarán pinturas y esculturas de los siglos XIX y XX. Entre las obras de los Macchiaioli, destaca el gran L'Arno alle Cascine de Giovanni Fattori (280.000-350.000 €). En Florencia, Pandolfini (www.pandolfini.it) celebra su 90.º aniversario con una venta especial que presenta lo mejor de cada departamento. Una importante colección de mayólica renacentista, reunida en un único catálogo, ya ha despertado un gran interés entre clientes extranjeros (incluidos museos). También en el Arno, Bibelot (www.maisonbibelot.com) ofrece muebles y pinturas de Villa Pandolfi en Florencia el jueves y el viernes. Lo recaudado se donará al Instituto Salesiano para las Misiones de Turín. FOTOGRAFÍAS En Génova, el evento tiene una doble vertiente: arte moderno y contemporáneo, fotografía y diseño en Boetto (www.asteboetto.it) y mobiliario, pinturas de grandes maestros y pinturas de los siglos XIX y XX en Cambi (www.cambiaste.com). La casa de subastas, ubicada en Castello Mackenzie, ofrece cuatro catálogos imprescindibles con precios de venta atractivos. Miguel Ángel Pistoletto Miguel Ángel Pistoletto Hay 1.800 lotes de muebles y objetos de arte, aproximadamente 360 ​​pinturas del siglo XIX y antiguas, incluyendo un gran Mercado Veneciano de Stefano Novo (15.000-20.000) y un retrato atribuido a Bernardo Strozzi (35.000-40.000). Las ocho sesiones que Meeting Art (www.meetingart.it) dedicará a las antigüedades (muebles y pinturas) comenzarán el sábado 1 de noviembre y se extenderán hasta el 13. Este sábado (lotes 109 y 110) se ofrecen dos grandes Paisajes Verticales de Vittorio Amedeo Cignaroli, que pertenecieron a prestigiosas colecciones y se subastaron en Christie's en 2002. Los precios parten de 16.000 y 25.000 €. Por último, a partir de mañana, la casa de subastas romana Babuino (www.astebabuino.it) ofrecerá arte y pinturas de colecciones romanas, mobiliario, arte chino y asiático, plata, joyería y objetos de colección. En resumen, hay para todos los gustos y presupuestos.
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Abbiamo parlato di bianco e nero, di rosso e blu, di verde e giallo. Ma il mondo reale, quello che abitiamo ogni giorno, quello che vediamo nel guardaroba, nelle strade, nelle vetrine, è fatto soprattutto di altro. È fatto di rosa cipria e di grigio perla, di arancio bruciato e di malva, di marrone terra e di viola vescovile. È fatto, insomma, di mezze tinte: quei colori che stanno tra i colori, che non hanno mai avuto lo stesso peso simbolico dei sei colori di base, ma che nella vita quotidiana occupano uno spazio enorme. Il rosa non è sempre esistito come colore autonomo. Per secoli, era semplicemente un rosso attenuato, una variante più chiara di qualcosa che aveva già un nome. Fu il Romanticismo, nel XVIII secolo, a dargli un'identità propria e, con essa, una simbologia precisa: la femminilità, la tenerezza, la dolcezza. Un simbolismo così potente da sopravvivere intatto fino a oggi, condensato nell'espressione comune di vedere la vita in rosa. Il suo lato meno lusinghiero è la leziosità, l'eccesso di sentimentalismo, quella qualità un po' vuota dell'acqua di rose. Eppure il rosa ha saputo reinventarsi: la bandiera arcobaleno, che lo include tra i colori della diversità e della tolleranza, gli ha aperto un capitolo completamente nuovo della sua storia.  Se il rosa è un rosso addolcito, il grigio è qualcosa di più difficile da definire. Non è la mescolanza di due colori qualsiasi: è la zona di confine tra il bianco e il nero, e porta con sé tutta l'ambivalenza di quella posizione. Evoca la tristezza, la malinconia, il tedio. Eppure, per Goethe, era il colore più ricco di tutti, quello che contiene il maggior numero di sfumature possibili e che esalta tutti gli altri per contrasto. Il pittore della domenica, osservava, ama il grigio proprio perché autorizza le monocromie più delicate. E in effetti: fumo di Londra, grigio ardesia, grigio perla, ogni variante porta con sé un'atmosfera diversa, quasi un carattere.  Le mezze tinte non sono portatrici di grandi simboli come il rosso o il blu. Hanno un significato prevalentemente estetico e forse è proprio per questo che ci parlano in modo più intimo, meno codificato, più personale.  Il marrone è probabilmente il colore meno amato in assoluto tra tutti quelli che abbiamo a disposizione. Evoca la sporcizia, la povertà, il logorio e, non a caso, la parola italiana deriva dal nome del frutto della castagna, come se il colore non meritasse nemmeno un termine proprio. L'arancio ha avuto fortune alterne: nel Medioevo non esisteva nemmeno come categoria cromatica autonoma, prima dell'arrivo dei frutti che gli hanno dato il nome. Oggi campeggia sugli imballaggi dei medicinali e sulle pareti delle cucine, spesso con un effetto un po' aggressivo, tanto che molti lo considerano ormai simbolo di volgarità.  La grande lezione che emerge da questo catalogo di sfumature è forse la più radicale dell'intera storia dei colori: un colore non esiste in natura in modo oggettivo. Esiste perché un occhio lo guarda, perché una cultura lo nomina, perché una società decide di attribuirgli un significato. Il fisico misura lunghezze d'onda. Ma il rosa confetto, il fumo di Londra, il beige, il turchese, questi non sono lunghezze d'onda: sono costruzioni umane, invenzioni collettive, categorie dello spirito. Infatti lo dice Goethe: "un colore rimane un colore solo per la durata di tempo in cui lo guardiamo" Siamo noi a fare i colori. E forse, una volta capito questo, possiamo permetterci di guardarli con un occhio più libero, con la competenza di chi conosce la loro storia e l'innocenza di chi la sa dimenticare al momento giusto. 

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Il verde - tra veleno e bio

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C'è qualcosa di insidioso nel verde. Lo guardiamo e pensiamo alla natura, alla calma, alla speranza. Lo troviamo sui cassonetti della raccolta differenziata, sulle insegne delle farmacie, sulle etichette del biologico. Eppure, per secoli, questo colore ha goduto di una reputazione tutt'altro che rassicurante: era il colore dell'instabilità, dell'inganno, del veleno. Il verde, in fondo, ha sempre nascosto bene il proprio gioco. Prima di parlare di simboli, bisogna capire la materia. E la materia, nel caso del verde, è stata per lunghissimo tempo un problema. Ottenere un verde stabile era una delle sfide più ardue per i pittori e i tintori medievali. Le fonti vegetali (foglie, cortecce, radici) producevano toni che sbiadivano rapidamente alla luce, si alteravano con l'umidità, reagivano male con le fibre dei tessuti. I verdi minerali ottenuti con ossidazioni chimiche erano tecnicamente più brillanti, ma spesso contenevano sostanze corrosive o addirittura tossiche. In tedesco, non a caso, esisteva l'espressione "Giftgrün": verde veleno. Questa instabilità chimica non era un dettaglio tecnico: ha plasmato profondamente il modo in cui le società europee hanno percepito e usato questo colore. Un pigmento che non si poteva controllare era un pigmento di cui non ci si poteva fidare. E quella sfiducia si è trasferita, nei secoli, nell'immaginario collettivo. Nel Medioevo e nel Rinascimento, il verde era il colore di tutto ciò che si muove, che cambia, che sfugge. Era associato al caso, alla fortuna, ma anche alla sfortuna. Non a caso, sui tavoli da gioco di Venezia si posavano le carte e il denaro su un tappeto verde: il colore del destino, di ciò che può sorridere o tradire in un istante.  Il verde era anche il colore dei buffoni, dei cacciatori, degli innamorati. Tutto ciò che aveva a che fare con l'incostanza e il mutamento trovava in questo colore il suo emblema naturale. Non sorprende, allora, che il verde fosse anche il colore preferito per raffigurare esseri ambigui e pericolosi: draghi, demoni, serpenti, creature che abitano le soglie tra il mondo dei vivi e quello dei morti. Gli attori di teatro ancora oggi, in alcuni paesi, evitano di indossarlo in scena: una superstizione antichissima, radicata in un tempo in cui il verde era davvero considerato un presagio nefasto.  C'è anche una vicenda scientifica, o meglio pseudoscientifica, che ha penalizzato il verde in modo sorprendente. Quando, nel XVIII secolo, i chimici elaborarono la teoria dei colori primari e complementari, il verde fu declassato a colore secondario, frutto della mescolanza di giallo e blu. Per i nostri antenati, questa idea sarebbe sembrata assurda: loro sapevano benissimo creare il verde direttamente, e nella scala cromatica antica lo collocavano accanto al rosso e al nero, come colore autonomo e fondamentale.  Ma la teoria dei complementari si impose e con essa, una svalutazione culturale del verde che raggiunse il culmine tra Otto e Novecento. Il Bauhaus, le scuole di design, pittori come Mondrian lo estromisero quasi del tutto dalla propria produzione, relegandolo a colore di seconda categoria. Con la scusa di conformarsi alla scienza, l'arte escludeva un colore che aveva accompagnato l'umanità da millenni. Eppure il verde non ha mai smesso di circolare. Tra Settecento e Ottocento è diventato il colore della carta moneta americana e non per caso, ma perché nell'immaginario popolare il verde evocava già l'azzardo, la finanza, il rischio calcolato. Il dollaro verde porta con sé una storia di tavoli da gioco e di fortuna mutevole che affonda le radici nel Medioevo.  Nel corso del Novecento, poi, qualcosa è cambiato. Essendo considerato il complementare del rosso (il colore del proibito), il verde è diventato quasi per contrasto il colore del permesso, del via libera, della libertà. Semafori, segnaletica stradale, zone franche: il verde è diventato il colore del sì. E quando, dagli anni Settanta in poi, la sensibilità ecologica ha cominciato a diffondersi nelle società occidentali, il verde era già lì, pronto a farsi simbolo della natura, della pulizia, della sostenibilità.  Oggi il verde è ovunque: zone verdi, numeri verdi, energia verde, partiti verdi, prodotti biologici con etichette verde smeraldo. È diventato il colore della promessa ecologica, del ritorno alla natura, della coscienza ambientale. Ma vale la pena ricordare da dove viene: da secoli di instabilità chimica, di associazioni con il demoniaco, di fortuna e sfortuna, di veleni e di inganni. Il verde è un colore che ha attraversato la storia cambiando faccia ad ogni epoca, adattandosi e reinventandosi. Forse è proprio questa capacità di trasformazione, quell'instabilità originaria che lo rendeva inaffidabile in laboratorio, a renderlo così perfetto per il nostro tempo, in cui tutto cambia in fretta e ogni certezza ha il colore provvisorio di una speranza. 

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